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[物品器具] 西洋古典乐器——钢琴

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中文名：钢琴
外文名：pianoforte(意)Klavier(德)piano(英、法)
发明者：巴托罗密欧·克里斯多佛利
发明时间：1709年
适用领域：独奏、重奏、伴奏
演奏评级：1-10级（英皇ABRSM考级为1-8级）、演奏级、专业级等。
代表人物：弗里德里克·肖邦、路德维希·凡·贝多芬、沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特等音乐家

钢琴（意大利语：pianoforte）是一种键盘乐器，由意大利人巴托罗密欧·克里斯多佛利（1655-1731）在1709年发明。钢琴由琴键（包括白键和黑键）和金属弦音板组成，一般88键钢琴音域范围从27.5Hz至4186.01Hz，108键钢琴则最高至7902.13Hz，几乎囊括了乐音体系中的全部乐音，是音域最广的乐器之一，普遍用于独奏、重奏和伴奏。

名称由来
外文名
钢琴外文名为Piano，它的全名应叫Pianoforte，意为弱强，由于这件乐器既能发出弱音，又能发出强音，才有了这样一个极为形象的名字。后来表示强音的forte略去，只保留表示弱音的Piano。

中文名
中文翻译成钢琴，则是因为在鸦片战争后，一些外国商人看到中国的市场潜力，向中国大量出口钢琴，并宣称这是由“钢”制作的琴，所以国人便开始习惯性地称之为“钢琴”了。

发展历史
钢琴的前身是拨弦古钢琴，也叫做羽管键琴，音译为哈普西科德，拨奏弦鸣乐器，又名拨弦古钢琴、大键琴。羽管键琴的制作起源于15世纪末的意大利，后来传播到欧洲各国。意大利羽管键琴轻便高雅，属于真正的弦乐乐器。在形制上与现代的三角钢琴相似，但琴弦是用羽管拨奏而不是用琴槌敲击。每根弦是由固定在每个琴键末端木制支柱上的一个羽毛管或硬皮拨子来拨奏的。

羽管键琴介绍
羽管键琴，拨奏弦鸣乐器，又名拨弦古钢琴、大键琴。音译为哈普西科德，16世纪至18世纪盛行于欧洲的键盘乐器。
羽管键琴的历史可追溯到14世纪英、法和西班牙的一种拨弦键琴棋盘琴。羽管键琴的声音明亮、清澈，具有金属的光泽。但羽管键琴音量单薄，对指触的力度变化反应甚微，音响的强弱对比较差，19世纪初，逐渐被钢琴所替代。

结构
用羽管或皮制管片拨弦发音的古钢琴，一般有两层键盘，第一层用于演奏，第二层用于移调。有4个音栓，它是巴洛克时期的独奏乐器。
在支柱另一面的顶端是一小块起制音器作用的毡子。当琴键按下时，支柱抬起，拨子拨动琴弦。琴键放开时，支柱落回，但特制的、可转动的拨子经过琴弦时不再拨动。琴键静止时，制音器接触琴弦，阻止其发出声响。因此，羽管键琴只是在琴键实际按下时才能够发音，在琴键放开后它不会继续鸣响。而且演奏者不能像钢琴那样通过改变手指的压力来变化力度强弱。
现代制造的羽管键琴几乎都用踏板来替代手动操作的音栓。

音域
18世纪中叶比较典型的羽管键琴有两个键盘，每个键盘各有5个八度的音域，从C下面的F1到高音C上面的f2。这类羽管键琴一般有几个音栓，演奏者可以通过对音栓的控制来获得不同的音高和音色。这时的羽管键琴与早期的不同，它有两个踏板，一个是合成踏板，用于改变音栓（以使演奏者的手不用离开琴键去推拉音纽）。另一个用来控制可改变声音音量（强）的威尼斯增减音器装置，很像管风琴中使用的增减音器踏板。

音色
此音色含有丰富的高次谐波，音色清脆明亮，且有金属声。适合演奏古典乐曲，音的强度不能变化，因为古钢琴琴键无力度感。

诞生与发展

拨弦古钢琴，也称羽管键琴。羽管键琴的拨弦，是一种机械性的拨动，也就是通过手指敲击琴键，产生机械运动，发出声音。羽管键琴内部的拨动产生琴弦的振动。这种机械运动使羽管键琴产生美妙动听的音色。羽管键琴的种类很多，有大羽管键琴，还有双键盘羽管键琴，它可以自动地把一个八度合并到另一个八度。因为有两排琴弦，弹奏一个八度带动另一个八度，这样齐奏的时候，由于加了一个八度，声音的强度就更大。
由于这种乐器相当轻巧，所以很容易损坏，要把它装到一个形状像翅膀的盒子里加以保护，随着时代的发展，琴盒的装饰越来越精美，甚至连支架和横档也都做得非常精致。

斯平纳琴是一种小型的单键盘羽管键琴，诞生于15世纪末，兴盛于巴赫和莫扎特的音乐时代；而维吉那琴在16世纪和17世纪的英国皇室非常盛行。当时一些有名的演奏家既为维吉那琴作曲也为羽管键琴作曲。斯平纳琴和维吉那琴两种琴的键盘都不大，它们的琴盖以及共鸣箱的装饰都十分华丽，琴键用名贵的木材制成。
到了17世纪中叶，羽管键琴的制作出现了两大流派，北意大利派和比利时安特卫普的佛兰芒派。佛兰芒派注重结实和厚重，用椴木做的共鸣箱坚硬牢固，能够保证羽管键琴和声的稳定。佛兰芒派羽管键琴又分为几个不同的种类，最简单的一种是音域为四个八度的单键盘羽管键琴，另外还有一种移调双键盘羽管键琴。在乐器的外观上，佛兰芒派羽管键琴的雕刻和装饰别具一格，而且种类丰富，耐人寻味。
和击弦类古钢琴相比，羽管键琴的声音既洪亮又清晰。它既可作独奏乐器，又可作为合奏乐器。在巴洛克时代和古典时代的初期，羽管键琴更成了当时教堂、歌剧院和宫廷乐队不可或缺的重要成员。
17至18世纪虽说是羽管键琴的全盛时代，但是由于人们不能通过手指触键直接改变力量和音色，导致演奏者与乐器之间的关系比较间接，不能充分满足演奏者的主观表达欲望。

在18世纪后半叶，古钢琴族乐器终于被新兴的钢琴所取代。

相似琴区分

同羽管键琴的机械结构相仿的拨弦键琴有维吉纳琴和斯皮内特琴。维吉纳琴主要是指长方箱式的琴，琴弦用键盘平行，每音一弦，特别为英国人所喜爱；

维吉纳琴

维吉纳琴在16-17世纪盛行于欧洲皇室，当时一些有名的演奏家既为维吉那琴作曲也为大型羽管键琴作曲。此琴为45键，琴壳通体覆玳瑁并用银饰镶嵌，这与意大利派尤其是北意大利威尼斯派繁琐极尽奢华的装饰制作风格不同，中欧尤其以德法的制琴虽华丽且不失稳重，他们更注重工艺的精致细腻而不是往往主要把精力用于昂贵材料的堆砌上，当然此琴为当时贵族制作，可谓奢华灿烂。

观此琴不由让人浮想到欧洲当时的一些世界级的音乐巨匠，如巴赫的老师帕海贝尔时年25岁，法国作曲家及键盘音乐，古钢琴乐派的中心人物库普兰时年10岁；意大利作曲家/小提琴家维瓦尔第出生年；德国作曲家/风琴家泰勒曼出生前3年，巴赫/亨德尔出生前7年。

斯皮内琴
大型昂贵的拨弦键琴的代用品

斯皮内琴起源小型拨弦键琴，通常为翼型，有一套单根的弦，与键盘呈斜角。五边形的拨弦键琴，每音一弦，只有一层键盘。翼型斯皮内琴可能在16世纪原产于意大利，后在法国和英国为人所知。它是大型昂贵的拨弦键琴的代用品，17世纪末和18世纪曾大量生产，尤其以英国为最多。特点是斯皮内琴的框架往往装饰十分华丽。

击弦古钢琴

古钢琴是钢琴的前身，它是16世纪佛罗伦萨的乐器师发明的。和钢琴一样都是通过蹦紧的金属丝弦的震动发音。
击弦古钢琴Clavichord，又称小键琴，是早期键盘乐器的一种，十五世纪便已出现。它由扁薄的长方形盒子构成，没有脚，可以放在桌上弹奏。外观虽然和大键琴一样，但并不是拨弦发声，而是用槌子(Hammer)敲弦发声的，这种装置和近代的钢琴相似，只是装置较为简陋，音量较弱，音色也不太明亮。

发展历史
古钢琴的历史可以追溯到由公元前6世纪古希腊的独弦琴，（这两种乐器对于后世古钢琴和钢琴的制作都有直接影响是毕达哥拉斯制作的），中世纪的波斯地区出现了索尔特里琴（拨弦）和杜西玛琴（击弦），这两种乐器虽然在结构上很相似，却在演奏方式上完全不同。杜希玛琴在18世纪传入中国，成为扬琴。
在文艺复兴和巴洛克时期兴盛的古钢琴家族乐器中，按照发音方式，就分有击弦和拨弦两大类。即：楔槌键琴、羽管键琴。
楔槌键琴即击弦古钢琴Clavichord，又称小键琴。
然而，其中最具影响力的还是被作曲家们所钟爱的拨弦古钢琴，也称羽管键琴。羽管键琴的结构原理和翼琴相似，只是拨弦的是鸟类的羽毛管。因为羽管键琴的琴键比较大，所以又称大键琴。
18世纪后期，由于音色的古板，表现力的狭窄，最重要的是很难象钢琴那样随心所欲的弹出对比强烈的强弱音，所以逐渐被钢琴取代在整个19世纪几乎被遗忘。
但20世纪，在欧洲大键琴却逐渐复苏。著名的兰朵夫斯卡（20世纪早期巴赫平均律的权威演绎者）就是大键琴的极力推崇者。

古钢琴的作品：
巴赫的32首《哥德堡变奏曲》
《小猫的赋格》（The Cat’s Fugue）由意大利作曲家多梅尼科·斯卡拉蒂(Domenico Scarlatti)创作。

《哥德堡变奏曲》

《哥德堡变奏曲》（BWV988），是约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S.Bach）晚期的一部键盘作品，1741年出版。全曲32段，全部演出40-80分钟。这部作品长期不受人们重视，直到20世纪前半叶。女大键琴家兰多夫斯卡（Landowska）的公开演奏及录音。之后，1955年加拿大钢琴家格伦·古尔德将其选作自己的第一张录音作品。而现在，哥德堡变奏被视为巴赫作品中最重要的变奏曲之一。全作品包括主题，30个变奏，主题反复。

作品介绍
J. S. 巴赫的《哥德堡变奏曲》，BWV988，是巴赫著名的羽管键琴作品，大约作于1741-1742年间，其间巴赫在莱比锡，视力已开始减退。这部伟大的变奏曲原名叫做《有各种变奏的咏叹调》，1742年出版，此作为巴赫的学生哥德堡（Johan Theophil Goldberg）而作。哥德堡是侍奉当时驻在德累斯顿的俄国使臣凯瑟林（Hermann Karl Von Keyserlingk）伯爵的年轻演奏家。巴赫曾把他的《B小调弥撒》献给凯瑟林，因此而获得“宫廷音乐家”的封号。1741-1742年间，凯瑟林居住在莱比锡，让哥德堡师从巴赫，学习演奏技巧。伯爵患不眠症，失眠时就需哥德堡为其演奏，哥德堡以演奏需要，求巴赫帮助谱曲。巴赫当时作成这部变奏曲之后，凯瑟林送他一只装满100枚金路易的金杯以酬谢。

这是音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作，巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式，是以一个主题，引导出对比命题和对应（反对）命题，然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品，以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题，发展成30段变奏。这30的数字，由3所支配，以3个成一组的变奏，以卡农的方式表达：一位齐声的卡农，二为二度卡农，三为三度卡农……此后达到第九个卡农后，第十变奏为四声部的赋格，之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一层与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心，速度分为前后两半，这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙，实在令人叹为观止！

作品分段
这部作品共分32段，第一段以那首萨拉班德舞曲的主题开头，第32段是经过30段变奏后和缓地、平静地重新回到主题（不同的是第一段的简单主题经过30段变奏后，已变得异常丰富和复杂。其间30段变奏分别是：01. 使用第一层键盘，二声部，前奏曲风格，拍子和调性与主题类同。

说回击弦古钢琴

基本信息
钢琴音乐的发展与钢琴乐器的发展演变是相辅相成、紧密联系在一起的，每一时期的钢琴音乐作品的创作都是以当时的乐器为基础而产生的，因此，为使我们能够更清晰地了解和理解乐曲，更准确地把握和演奏不同时期以及不同风格的钢琴文献作品，就需要对钢琴乐器的发展历程有更多地认识。

现代钢琴的前身是击弦古钢琴和拨弦古钢琴，与今天的钢琴相比，人们称它们为“古钢琴”。击弦古钢琴又叫楔槌键琴，拨弦古钢琴又叫羽管键琴，它们都是靠琴弦振动发音的弦乐性键盘乐器，在所有西方古乐器中是最简单同时又是最微妙敏感和极富表情的。

首先介绍击弦古钢琴(clavichord)。

击弦古钢琴Clavichord，又称小键琴，是早期键盘乐器的一种，十五世纪便已出现。它由扁薄的长方形盒子构成，没有脚，可以放在桌上弹奏。外观虽然和大键琴一样，但并不是拨弦发声，而是用槌子(Hammer)敲弦发声的，这种装置和近代的钢琴相似，只是装置较为简陋，音量较弱，音色也不太明亮。

击弦古钢琴或许是最为古老的带弦键盘乐器，其历史可以追溯到十五世纪。Clavichord一词最早出现在EberhardCersne作于1404年的一首名为《Minne regal恋诗歌手的规则》的诗歌之中。而关于这种乐器的最早图画，据说是在那不勒斯的创作的一幅壁画中，时间约为1435年。约1440年。在阿劳特的手稿及德国音乐家菲尔东的论著《音乐精义》里，有它的结构图示和说明。现存的最早的击弦古钢琴，制造于1537年，保存在纽约大都会博物馆里；另一架琴是1543由多美尼科制造，现存在莱比锡、卡尔·马克思大学的乐器博物馆里。

一般来说，击弦古钢琴仅仅是配有多根琴弦的单弦，通过键杆来操作。在键的远端是金属制成的小片，叫做切线，它们从下方敲击琴弦，并且当键持续施压时不断地触击琴弦。因此，这些切线既是发声器，又起到了桥梁的作用。由此产生的声音纤细、柔软，然而富于弹性。演奏时，切线与琴弦的连续接触会给音响带来极其丰富的差异——甚至会产生颤音（所谓的Bebung技术），而这在别的键盘乐器中是根本不可能产生的。直到19世纪，击弦古钢琴依然是作曲家们钟爱的乐器（例如J·S·巴赫），并且是用以制造浅吟低唱般私密音乐效果的适当之选。人们一旦习惯了相对较为安静的音量――它能将人引入沉思般的状态――就会沉醉于音响的内在世界。他甚至可使自己迅速地适应杠杆装置的声音，最终安静下来，“侧耳倾听”。

最早的击弦古钢琴音域有限，一般不超过二十个琴键，音量很弱。重击琴键时，由于琴弦震动幅度过大，造成琴弦过大的张力，导致琴弦发音不准。此外，击弦古钢琴的琴弦较短，音域无法扩张，因此，演奏者多半只需用三个手指来演奏。但是，由于它自身特有的构造和发声原理，使得击弦古钢琴具备独特的音响效果和演奏特色。但是，又由于击弦发音的特点，使得手指触键的力度可以在很大程度上控制锲槌敲击的力度，所以，使得击弦古钢琴即使在弱力度的音响范围内也具有非常丰富的强弱变化。

击弦古钢琴主要是作为一种音乐教学和学习用的乐器。它具有金属般的音色．在声音的变化上具有多样性，同时，可以非常容易地弹奏出如歌的效果。由于击弦古钢琴的音调变化多，许多作曲家发现它对于亲切的室内乐是一种得体的乐器。击弦古钢琴适于演奏序曲、奏鸣曲、托卡塔和组曲。J·S·巴赫于1723年创作的二部和三部《创意曲集》，便是能够体现击弦古钢琴演奏风格的重要文献。人们在演奏中对歌唱风格的强调以及对力度细微变化的要求，推动了击弦古钢琴曲目的创作。适于击弦古钢琴演奏的曲目，在结构上通常是两段体；类型上以歌曲改编曲、小型舞曲、田园曲、回旋曲和练习曲居多；在情绪和风格上强调甜美和柔和。

作为一种延伸了的单弦，击弦古钢琴属于“宇宙学的声音装置物”，象征着世界及其数理的和谐。无论是正在逝去的中世纪，还是即将到来的文艺复兴时期，世界都被理解为数与比例的内在相关的和谐复合物。由此，音乐的创作首先是一门科学，是与算术、几何学和占星术并列在一起的。当时的许多音乐家和音乐理论家们同时也是数学家、占星士和医生等等。至于音乐是否带来愉悦以及关于它的审美方面，这些后世如此重视的要素，当时却只是次要的。首先它必须具备了内在的“正确性”，接下来美的光芒才能照射出来。

详细论述

钢琴乐器的发展与钢琴音乐创作的发展是相辅相成的。每一时代钢琴音乐的成就都与钢琴乐器的发展紧密联系着。追溯钢琴乐器发展的历史，能够使我们更好地了解和理解钢琴音乐作品的发展脉络，从而有益于我们准确地演绎不同时期，不同风格的钢琴艺术作品。

击弦古钢琴和拨弦古钢琴是流行于十五至十八世纪西方音乐世界的早期键盘乐器，是现代钢琴的前身。在所有西方古乐器中是键盘及弦鸣乐器中最简单同时又是最微妙敏感和极富表情的。

与击弦古钢琴同时代的另一类古钢琴就是上面提到的拨弦古钢琴，它又被称为羽管键琴。这类乐器由一个很大的家族组成，它们的形制不一，名称也很多。拨弦古钢琴有许多历史记载。最早的拨弦古钢琴是1397年在意大利东北部城市帕度亚，由一个名叫赫尔曼的手工匠人制造的。

在制造原理方面，击弦古钢琴是根据测弦器的原理发展而成的。其发声机构主要由琴码、弦轴、琴弦、齿轨、楔槌、全弦固定制音结、销钉、琴键、平衡轨等部分组成。其中，全弦固定制音结是击弦古钢琴的制音装置。这种制音结是用布条编织并固定在每一根琴弦上。由于制音结的作用，使得击弦古钢琴无论怎样击弦，琴弦都不是全段都发音的。

击弦古钢琴的发音特点在于：若要使琴弦发音，就必须使全弦固定制音结与琴弦之间被隔断才能完成。而根据其构造，如要隔断全弦固定制音结，琴弦就被分隔成为发音和不发音的两段。只有不包含制音结的那段才能发音。因此，为了完成发音的过程，就必须借助楔槌这一发音工具。在楔槌敲击琴弦的瞬间，它首先会楔入琴弦，使得琴弦的一部分与全弦固定制音结之间被隔断。这时的楔槌同时相当于一个琴码或品的功能。之后，楔槌又在卡住琴弦的刹那，槌击琴弦。使琴弦上与制音结相对的那一段发生震动，发出琴音。

羽管键类乐器是由拨弦键结构的索尔特里琴再加上精巧的键盘机构后演化而成的。羽管键琴的发声原理与击弦古钢琴完全不同。其发声机构主要由琴码、琴弦、顶杆、顶杆滑动杆、低层导轨、琴键、琴键平衡轨等装置组成。在顶杆上又有制音器、拨子、舌片、鬃毛弹簧、和枢轴等精细结构。

羽管键琴的机械核心是“顶杆”。即一根固定在琴键末端的细长木条。在顶杆的上端有一个开口。在开口处的枢轴上安装着能上下活动的木制舌片。羽管或皮革材质的拨子就固定在舌片上。当琴键被按动时。拨子随顶杆上升而去拨击琴弦，在拨击的刹那。制音器打开，使琴弦震动发音。当松开琴键时，顶杆下降，顺势而落的拨子迫使舌片绕枢轴向后转动直到它能通过琴弦。之后，紧贴舌片的鬃毛弹簧将舌片弹回原处。与此同时，位于顶杆上端开口处的制音器也与琴弦发生紧密接触，在制音的同时，也制止了顶杆的继续向下滑动。这时，顶杆复归原位，等待下一次击键。

两种古钢琴在使用和演奏风格上是有区别的。

十七世纪的欧洲，除德国以外的其它国家，特别是英国、法国和意大利，人们更倾向于喜爱羽管键类乐器。许多作曲家如D·斯卡拉蒂，亨德尔等，都曾为羽管键音乐作曲。巴洛克时期的欧洲，羽管键琴不仅作为一种及其普遍的独奏乐器，而且还被用于在室内乐中弹奏数字低音，以及为歌剧和清唱剧中的宣叙调作伴奏。在法国作曲家创作的音乐中，羽管键琴的最佳性能得以完全地、鲜明地体现。法国作曲家的音乐小品极具羽管键琴的特色。柔和、轻快而明晰，富有丰富变化的色彩，旋律有大量的装饰音，对演奏者的钢琴技巧和艺术趣味要求很高。羽管键琴演奏家及作曲家D·斯卡拉蒂发展了双音、两手交叉、重复音、超过八度的琶音弹奏技术等等。

拨弦古钢琴和击弦古钢琴各自都有自己的优缺点。击弦古钢琴在击弦发力时，由于着力点和震动点都在小巧的琴码上，因而琴弦的震动幅度极小，发出的音量纤细微弱。

羽管键琴则音量较大，声音色彩明亮。但缺点是，用键盘机械通过羽管拨弦，难以实现强弱的音量变化，难以控制音乐的力度。为了解决这一问题，不得不增加羽管键琴构造上的复杂程度。增加顶杆、琴弦和琴键的数量。造成的结果是，羽管键琴通常有两层键盘和数个音栓，通过转换键盘和调节音栓而使顶杆于琴弦作多种结合，以达到改变力度与音响效果的作用。

总之，两类古钢琴所演奏的音乐，由于各自特有的声音特点，表现出不同的风格和情绪。它们虽然在音域、音量及演奏技巧上受到自身原理及构造上的限制，但它们特有的音色效果是巴洛克时期欧洲音乐风格特征的体现。

对古钢琴历史资料的收集、整理和编译工作是非常必要的。这一工作是进一步开展钢琴艺术研究和推广钢琴音乐的重要组成部分。
据说巴赫同样是击弦古钢琴的拥趸，经常在家里弹奏，他在1723年创作的《创意曲集》，便是能够体现击弦古钢琴演奏风格的重要作品。
大键琴和小键琴在19世纪到来之前，是欧洲乐坛非常重要的两种键盘乐器。但它们都有着一定的局限性：
大键琴虽然音色明亮，但无法通过力度改变弹奏出明显的强弱对比，音色古板，表现力狭窄；
小键琴虽然可以有一定程度的音色变化和主观表现力，但因为装置简陋，音量较弱，无法驾驭宏大的乐曲，且难以与乐队配合。

被“嫌弃”的钢琴的100年
音乐家们在不断创作和演奏音乐的同时，乐器制造师们也在努力将乐器进行改进。事实上，早在18世纪初期，第一架真正意义上的钢琴就被制作出来了。
钢琴的发明者是巴尔托洛奥·克里斯托佛利，他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。
1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制作出一架被称为具有强弱音变化的古钢琴。他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管拨动琴弦发音的机械装置，从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的变化，制作了第一架具有“强弱音变化”的钢琴。
这架钢琴音色明亮，音响层次丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的强弱变化。因此，当时的人们称这台琴为“piano forte“，意大利文的原意是“弱音和强音”。这也是为什么，今天我们会用“P"来表示弱音，“F“表示强音。后来为了方便，人们把“piano forte"中的"forte"省略掉，只保留了"piano"作为钢琴的称呼，并延续至今。

遗憾的是，在市场层面，克里斯多佛利的发明并没有得到当时演奏家们的注意，在克里斯福里的第一架钢琴出现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多的是为演奏特定作品而使用。但从技术层面来讲，他的这一发明，为以后的钢琴制作师们打开了通往成功之路的大门。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特色，亦是钢琴的标志与象征。

1709年后，克里斯托福里又进一步改革了原来击弦机的结构，他在这部机械中安装了一种与现代击弦机的复震杠杆系统近乎完全一致的启动杠杆，使击弦速度比原来加快了10倍，而且可以快速连续弹奏，音域也增加为4组，可以说这就是现代钢琴的雏形。他的这一发明为以后的钢琴制作师们打开了通往成功之路的大门。但克里斯托福里的发明并没有得到他的意大利同行们及当时演奏家们的注意，却在异乡得到了继承和发展。

1711年，克里斯多佛利发明的钢琴得到了媒体报道，之后在欧洲乐器制造领域引起广泛关注。很多乐器工匠开始尝试制作钢琴。

1720 再制54键-目前存在美国纽约大都会博物馆。本世纪八十年代，霍洛维兹用此琴录了斯卡拉第（D.scarlatti）的作品

1722 克里斯多弗里发明了弱音踏瓣(unacorda)装置，这个设计可以让弹奏者只敲击根絃中的其中一根，在克里斯多弗里的钢琴上，这是由手操作的，在现代的钢琴上则是踩下左踏板控制。有两架克里斯多弗里于1722年后制造的钢琴被保存下来，两部都是四个八度且调音良好,这台1722年型的琴是儘存的三架钢琴中最小型的，现今收藏在意大利罗马的一座音乐博物馆内。

1722 克里斯多弗里发明了弱音踏瓣(unacorda)装置，这个设计可以让弹奏者只敲击根絃中的其中一根，在克里斯多弗里的钢琴上，这是由手操作的，在现代的钢琴上则是踩下左踏板控制。有两架克里斯多弗里于1722年后制造的钢琴被保存下来，两部都是四个八度且调音良好,这台1722年型的琴是仅存的三架钢琴中最小型的，现今收藏在义大利罗马的一座音乐博物馆内。

1726 又一架克氏钢琴制成，现藏莱比锡博物馆（约在这一时期，德人昔伯曼也造两架钢琴。曾请巴赫试弹，他认为琴键太重，高音嫌弱）

德国管风琴师、制作师戈特弗里德·西尔伯曼，在1730年根据一份绘制极不准确的意大利钢琴草图，借鉴克里斯托福里的发明，制造出德国第一架钢琴。他把这架琴送到音乐大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫那里鉴定，巴赫却不屑一顾，只是说道：触键太重，高音音色太弱。但他还提出了一些建议。在采用了巴赫的建议之后，于1747年又加以革新。同年，巴赫在波茨坦进宫晋见腓特烈大帝时弹奏了希尔伯曼的新型钢琴。希尔伯曼对钢琴改革的主要贡献在于对钢琴制音器的运用。他利用手动音拴使全部制音器离弦，以使钢琴的音响效果更丰富并具有一种神秘的色彩。

1732 最早专为钢琴所写的音乐在意大利出版了。作曲家鸠斯提尼LodovicoGiustini为克里斯多弗里的钢琴写了12首奏鸣曲"SonatedaCimbalodiPianoeForte"

(SonatasforSoftandLoudforHarpsichordwitHammers)，这本谱集包含12首标有渐强和渐弱等力度记号的奏鸣曲。这是第一个专为钢琴写的音乐作品，之后未曾有任何其他专为钢琴而写的音乐问世，直到1770年克莱曼悌(MuzioClementi)写了三首编号Op.2的奏鸣曲，自此，钢琴逐渐和大键琴和古钢琴区别开来，并激发新的弹奏风格建立属于自己的新文献。

至18世纪中叶，人们对钢琴的制作工艺实行革新，以使其演奏性能日益完善。这一时期，西尔伯曼及其子弟在钢琴的变革中起着主导作用。西尔伯曼的名徒被称为十二弟子，他们分别制造出两种不同风格的钢琴，即维也纳式击弦机钢琴和英国式击弦机钢琴。他们具有不同的机械性能和不同的音响效果，由此形成两大不同的钢琴制作流派。这两种流派，也对当时的音乐家们产生了具有历史意义的影响。维也纳式击弦机钢琴的键盘触感较轻，能够弹出快速的音符，音色变化细微，在与管弦乐队协奏时，音色对比清晰。这正符合沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特温文尔雅又富有歌唱性的快板的音乐需要。

1742 已知的第一台方形钢琴(squarepiano)是由修夏(Joh.Söcher)所制。

1745 肺德烈其(ChristianErnstFriederici)--席伯曼的学生之一，也是著名的钢琴制造师，制造了第一台直立式的大钢琴。

1747 巴赫访普鲁士非菲德烈大王，在波茨坦宫在一次试奏昔伯曼的钢琴

1760 第一台钢琴抵达英国之后1760年间，尊佩(JohannesZumpe)席伯曼的学徒之一，制造第一台英国的方形钢琴。他于1760年来到英国，成为钢琴制作师，他的产品被称为英国式击弦机钢琴。这种钢琴触键感觉较重，但声音浑厚深沉，正适合于穆齐奥·克莱门蒂那坚实有力的音乐风格。莫扎特和克莱门蒂当时是名声同噪的钢琴演奏家，由于他们演奏风格的不同，他们分别使用结构各异的维也纳式和英国式钢琴。

1762 英国乐人伯尔尼报导了巴赫之子J.C.巴赫在英伦弹奏钢琴，人们喜欢这乐器

1765 九岁的莫札特到伦敦第一次见到了钢琴

1767 英人开使用钢琴为歌手伴奏

1768 J.C.Bach于1768年在伦敦举行第一次公开的钢琴独奏会，弹奏尊佩(Zumpe)制造的方形钢琴,钢琴从此受到欢迎。

1770 德国奥格斯堡的钢琴制造家史坦因(JohannAndreasStein,1728-1792)于1770年左右发明了新的退避装置，就是所谓的"维也纳式击弦机"一种，这个装置得以使琴槌在施力敲击前先轻"弹离"琴弦，这使重覆弹奏琴键变得更快速和更容易。

1775 美国费城的贝伦(Johann Behrent)制造第一台美国的方形钢琴，为美国钢琴制作的开始。

1777 1777年10月，莫札特和友人到奥格斯堡旅游，认识了德国键盘乐器制造家史坦因(Johann AndreasStein,1728-1792)，他是18世纪钢琴革新重要的制造家之一，莫札特弹了史坦因制作的钢琴，非常欣赏，并在稍后给他父亲的那封有名的信件中，给予高度赞扬。莫札特在信中所提，他称讚史坦因的乐器制音器效率佳，触键平均，它的退避装置品质灵活而且耐用，当和史贝斯(Franz Jacob Späth)的琴相较(莫札特原本使用的琴)，史坦因的琴更有表情也更有反应且更容易掌握，尤其弹奏弱音时，它回应弹奏者的触感更是令人惊异。毫无疑问地，史坦因的钢琴立刻成为莫札特的最爱。艾哈尔(Sebastian Erard, 1752-1831)著名的竖琴制造师，同时也是法国历史最悠久和最有声望的钢琴制造家。

1777 艾哈尔在巴黎制造了第一台方形钢琴，有5个八度，这应该是仿制英国尊佩(Zumpe)的钢琴。

注："grand "这个字首次于1777年使用。(p.s.平台钢琴的名称为"grand piano")
1768年，J.C.在英国演出，这是钢琴第一次用于独奏乐器。
1783年，史坦因的钢琴包含有一般的五个八度键盘，从FF to f3 (61键)。制音器分成两个部分由膝盖杆操控，史坦因的维也纳击弦机(Prellmechanik)很快成为德国和奥地利钢琴制造的标准模式，从1780s年间到19世纪中叶使用于大多数优良的德国和奥地利钢琴。

1783 英国钢琴制造家布洛伍得(John Broadwood)获得八项钢琴改革的专利。他制作了铜制下置制音器的设计使得方形钢琴更坚固，布洛伍得还发明延音踏板，取代了膝盖杆，这对现代钢琴的发展贡献极大。在当时，特殊的踏板经常是被加装来制造异国风味。（注:这些早期的钢琴都是木框，每个音两条絃，和使用鹿皮包裹的琴槌。贝多芬和英国钢琴厂布洛伍得之间的合作关系对现在钢琴的发展贡献许多，当贝多芬逐渐变聋，布洛伍得送给他的乐器也就愈制造愈大型，音量也愈大，而且结更加坚固--铁制的框架，每个音三条絃，以及和现代相同的以软毡包裹的琴槌。）

1788 英国钢琴制造家布洛伍得(John Broadwood)制造了第一台自己厂牌的大钢琴。

1789年1月，莫扎特和克莱门蒂在维也纳奥国国王的王宫里举行了世界上第一次钢琴演奏比赛，成为轰动一时的大事。这次比赛对提高钢琴在诸乐器中的地位起了重要的作用。

1790 英国布洛伍得(Broadwood)厂推出五个半八度的钢琴。

1794 布洛伍得扩大平台琴和方形钢琴的音域为六个八度。

1798 第一台长颈鹿直立琴于维也纳建造。

1800 美国费城的霍金斯(John Isaac Hawkins)将直立琴的弦拉低于键盘下方与地面同高，后来获得建造美国第一台直立琴的殊荣。

1804 出现六个半八度键盘的平台琴和方形钢琴，这也是贝多芬后期使用的钢琴。

1808 艾哈尔(Sebastian Erard)发明agraffe (一种金属栓扣)，并获得专利，使琴槌装置更完美。

1811 英国制造家渥南(Robert Warnum)设计一台小型直立琴，和现在的直立琴高度几乎一样。

1816 娜奈特史特莱夏(Nannet Streicher,史坦因的女儿)于维也纳制造了六个半八度的平台钢琴。

1818 娜奈特史特莱夏把制音器的操作由膝盖控制改为踏板控制。

1820 具高度伸张力的金属线开始用来制作钢琴弦。

1821艾哈尔发明了覆震奏退避装置(doubleescapementaction)，让单一琴键得以更快速反覆，现代的平台钢琴就是使用相同装置。

1824 艾哈尔制造了七个八度琴键的平台琴。

1825 由于木制琴框容易受气候影响，也影响琴弦，因此钢琴经常走音，

美国波士顿的钢琴制造家包柏考克(AlpheusBabcock)制作了第一台由一片完整铁框铸造制成的方形钢琴并获得专利，钢琴的音律从此稳定许多。这个方法快传遍然后所有的钢琴都改由铁制框架.这种铁制琴架对于现代的平台钢琴更为重要,因为平台琴弦的拉力是好几吨，铁制框架也意味可以使用更粗拉地更紧的琴弦，这使得钢琴的音色得到改进。

1826 帕普(Henri Pape)改良软毡包裹琴槌并得到专利。

1828 第一个想到交叉弦法(cross-stringing)的人是包柏考克，之后美国纽约的史坦威(Steinway)于1855年真正将这个构想制造出来。

1836 克尔克(Wheatly Kirk)以铁制框架制造直立琴并得到专利。

1855 史坦威发明交叉弦法并展示其第一台使用交叉弦法制作的方形钢琴，这就是著名的美国系统。在交叉弦法中，低音弦与高音弦交叉重叠使得共鸣板中央处有更多弦交会，因此可以得到更大的声响。同时当制音器被提起时，就会有更多弦产生共振，因此和声效果更增强。

1862 史坦威参加1862年于伦敦举行的世界博览会，并因交叉弦技术制成的平台琴获得大奖，被肯定为美国最好的钢琴制造厂。

现代的三角平台钢琴样式，是由斯坦威钢琴厂设计定型，并于1876年首次投放市场。

1890年代以前，直立琴已经几乎取代方形钢琴在一般家庭里的位置。

时间进入到19世纪，钢琴的音响效果越来越丰富，音色更加细腻。贝多芬、肖邦、李斯特等风靡一时的音乐家纷纷投入钢琴的怀抱；皇室贵族们把钢琴纳入他们的乐队中；工业时代新兴起的中产阶级追随时代潮流，购买节省空间的立式钢琴，钢琴终于走进了千家万户。

钢琴在中国——曾经国有的四大钢琴厂

直到新中国成立，才有了我们自己的钢琴厂。以前国有的四大钢琴厂分别有珠江钢琴厂，上海钢琴厂，星海钢琴厂和东北钢琴厂。

珠江钢琴1956年在广州建厂，在国内钢琴市场的知名度最高，销量最多，市场反馈最好。

上海钢琴厂50年代开始生产聂耳钢琴，现在叫施特劳斯钢琴。但是上海钢琴厂的影响力只在上海，全国市场上的知名度不高，基本可以忽略的钢琴品牌。

星海钢琴厂2003年-2012年代工过卡哇伊中国产品，但是2012年之后卡哇伊被柏斯垄断。后来钢琴厂为了丰富产品线，创作了很多洋名字如巴赫多夫、海乐尔、舒伯特、威尔谛等。

东北钢琴厂生产的公主琴和王子琴标价高，铺货多，后来在中山代工鲍德温，但是后期因为货款无法回收，在2003年倒闭了，同年倒闭的厂家很多。鲍德温倒闭后被美国吉布森集团收购，把美国的生产基地搬迁到广东中山，在上海成立公司做低端自动演奏琴，叫魔指（低端品牌，售价在1万多左右）。自动演奏琴目前在中国市场只出现了两款，分别是魔指和piano diske。

钢琴的全名叫piano forte。可以发出大小声的乐器。十二平均律唐：钢琴的框架由木头变成了铁板，除了外形不会变形，在音色音质上是否有影响？梁：没有影响，主要是坚固耐用。从1709年擒纵机构的出现让钢琴有了雏形，到1922年十二平均律，再到1800年大家开始认可和接受钢琴这段时间，钢琴一直在演变。之后的钢琴，在内部结构上基本定型了，变化的是只是材质和技术。发展到现在已经非常成熟的阶段了。此处的用意是否定上海那批钢琴厂的言论，他们称自己1920年就开始有钢琴厂。很贵，但是品质不错，跟施坦威合作，手感力度的表达到位，送的音响，使客户拥有此套产品后如同拥有一支乐队。一般4万多。

代表人物及作品

谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫（英文：Sergei Vassilievitch Rachmaninoff，俄文：Сергей Васильевич Рахманинов），1873年4月1日生于俄罗斯，1943年3月28日逝世，是二十世纪世界著名的古典音乐作曲家、钢琴家、指挥家。
拉赫毕业于著名的莫斯科音乐学院（现莫斯科柴可夫斯基音乐学院）；他的创作中深受柴科夫斯基影响，有深厚的民族音乐基础，旋律丰富，擅长史诗式壮阔的音乐风格；主要作品有第二、三钢琴协奏曲、帕格尼尼主题狂想曲、二十四首前奏曲、音画练习曲，歌剧《阿莱科》《利米尼的法兰契斯卡》和第二交响曲、管弦乐“死岛”、钟等。其中《d小调第三钢琴协奏曲》以其艰深的难度，成为钢琴演奏曲目中的“最难”。

主要作品

钢琴与乐队作品
拉赫玛尼诺夫编写了五首以钢琴与交响乐团演奏的作品，分别为四首钢琴协奏曲及帕格尼尼主题狂想曲（Rhapsody on a Theme of Paganini），其中以第二钢琴协奏曲及第三钢琴协奏曲最著名，帕格尼尼主题狂想曲中一段行板(Var.18)更是旋律优美，成为脍炙人口之作，被电影《似曾相识》（Somewhere in Time）采纳为背景音乐。

钢琴独奏作品
钢琴独奏方面，拉赫玛尼诺夫共谱写了2首奏鸣曲、24首前奏曲，最著名的莫过于他的《升c小调前奏曲》。
拉赫玛尼诺夫亦曾把多首古典音乐作品改编成钢琴独奏版本，较著名的有巴赫的《前奏曲》、里姆斯基-科萨科夫的《野蜂飞舞》、弗里茨·克莱斯勒的《爱之悲》及《爱之喜》等。

交响曲作品
拉赫玛尼诺夫曾编写三首交响乐作品，第一交响乐对拉赫玛尼诺夫而言是失败之作，他甚至把手稿撕毁，直至他死后，整份乐谱被才发现收藏于列宁格勒音乐学院中，至1948年才于美国作第二次公演以纪念拉赫玛尼诺夫逝世五周年。然而，第二交响乐及第三交响乐仍是较出名的作品。
拉赫玛尼诺夫亦曾编写多首交响诗，如：《死岛》《岩石》《交响舞曲》等。

声乐及合唱作品
拉赫玛尼诺夫亦有编写声乐及合唱作品，包括有弥撒曲Vesper Mass、The Liturgy of St. John Chrysostom及The Bells。短歌Vocalise更被改编成不同乐器的独奏曲。

创作风格
拉赫玛尼诺夫一方面是浪漫主义时代的代表，而另一方面，他的音乐里又有接近20世纪作曲家的许多现代元素。如何成功把这两种风格相融合成为其创作之谜。毋庸置疑，许多作曲家在自己的创作生涯中不断改变、完善着自己的风格，事实上每一位大师的风格都具有自己的演变过程。但是浪漫主义风格和20世纪的音乐风格处于特殊的相互关系。在上世纪初相继出现了几个新的风格，诸如新古典主义、新浪漫主义，表现主义风格及其他一些风格，这些新风格的创作纲领与传统的浪漫主义大相径庭。
拉赫玛尼诺夫的浪漫主义风格与现代风格浑然一体，他个人一贯沿用的创作风格已被世人所熟悉，许多总的特点甚至贯穿了作者一生的创作。常人看来格格不入的元素在拉赫玛尼诺夫的作品中被神奇地融合在一起，诸如浪漫主义情怀、大小调体系中的丰富调式和其他一些现代风格（例如爵士乐元素和在帕格尼尼主题狂想曲中类似肖斯塔科维奇的入侵主题）等。
无论作为作曲家，还是舞台上的钢琴演奏者，拉赫玛尼诺夫创作出的形象是一致的。据同时代人回忆，他的表演因声音的特殊力度而令人惊叹，这力度并非体现于外在，也不是表面的精湛演奏技能。能够最准确体现拉赫玛尼诺夫钢琴演奏声音质量的词汇是声音的“雄浑”。这种雄浑包含着钢琴乐器的完美表现力、演奏者的精湛表演、动感的力量体现、钢琴音质的美感。

音乐评价
拉赫玛尼诺夫力图在音乐中表现一个忠实诚挚的普通人的思想感情，竭力探求让所有的人都易于理解的方式，从这一方面着眼，他可以说是柴科夫斯基的直接继承者。
他的音乐时常具有幻想和悲剧性的哀伤等因素，时常留下一种内心悲剧的不可磨灭的痕迹，这样深刻的抒情性和戏剧性也是使他的作品接近于柴科夫斯基的地方。所不同者拉赫玛尼诺夫作品的内容更加狭窄，往往局限于抒发个人内在的精神体验，但表现得十分动人而富有诗意。
他的音乐除了着重体现悲剧的因素之外，有时也以磅礴的力量讴歌幸福、赞颂祖国大自然风貌，精心刻划出一些令人心旷神怡的安谧、宁静的形象。
拉赫玛尼诺夫的音乐充满了美妙的旋律，在他的同时代人当中，他是一位天才的旋律作家；他的旋律写作同俄罗斯民歌中的悠缓歌曲保有密切的联系。他的作品还以和声语言和复调手法之丰富见长。所有这些，都是拉赫玛尼诺夫的音乐具有如此感人的力量所在。

约翰·巴哈贝尔（Johann Pachelbel），德国音乐家，是德国巴洛克时期后期作曲家兼教堂管风琴师，当时他是相当激进的作曲家，在世所写的管风琴和键盘音乐是他主要受到肯定的创作领域，在新教宗教音乐创作方面，他的地位也相当高，可惜他的作品多都未能获得妥善保存，更有部分依然淹没在德国各地图书馆内。

主要作品

D大调卡农
主条目：D大调卡农
值得一提的是他的作品，Canon in D（D大调卡农），三百年后魅力依旧，不仅是现代人最喜爱的器乐小品之一，也是电影电视广告配乐的常客。这个曲子的创作时间大约是在1678至1690年之间，乐曲编制由三把小提琴以及数字低音，一开始低音乐器奏出两小节顽固八个低音，接下来三部的小提琴依次出现，低音乐器从头到尾重复了二十八次同样八个音。一般在这一个曲子之后还附加上一首轻快的Gigue（吉格舞曲）形成一对来演出。
要特别注解的是“卡农”，并非曲名，而是一种曲式，许多人误以为这个曲子便为“卡农”，“卡农”字面上是“轮唱”的意思，数个声部的旋律依次出现，交叉进行，互相模仿，互相追随，十四世纪便有出现这种形式的乐曲。Gigue是吉格舞曲。
帕赫贝尔的卡农全名是《Canon and Gigue in D major for 3 violins and Basso Continuo》（为三把小提琴和通奏低音创作的D大调卡农和吉格舞曲）。帕赫贝尔的卡农约作于1680年，三百年后，魅力依然不减，成为最受现代人喜爱的器乐小品。
因为有一部被提名为奥斯卡最佳影片奖的电影《凡夫俗子》采用它作为电影配乐，这首曲子便广为人知，《我的野蛮女友》同样也在场景中运用了这首作品。在古典音乐TV动画《金色琴弦》中，也出现了这首曲子。这是个德国作曲家，但德国实在很难让他产生如此美丽的灵感。这是作者在意大利威尼斯时写的音乐，用了回旋曲曲式，有无穷动音乐的元素在里面。而这个音乐之所以在所有卡农里面特别有名，因为它带着一丝意大利式的忧伤，甜蜜宁静的忧伤。
婉转的曲调却并不悲痛，用28度的轮回诉说暴雨后的晴空。真像这样的感觉。雨后一尘不染的天空，湛蓝、悠远、纯净。卡农（Canon）复调音乐之一种，原意为“规律”。同一旋律以同度或五度等不同的高度在各声部先后出现，造成此起彼落连续不断地模仿，即严格的模仿对位。第一次出现的声部称“起句”，相隔一小节或两小节后出现的重复声部称“应句”，用卡农手法写成的乐曲称“卡农曲”，声乐曲中的“轮唱”亦即“卡农曲”的一种。卡农出现于十三四世纪，后人常采用古代曲调作为卡农主题。

阿波罗的里拉琴
帕赫贝尔写了很多键盘曲目，“阿波罗的里拉琴”（Hexachordum Apollinis）就是其中的键盘曲目。他写下这组曲，原本是送给费迪南·托比亚斯·里赫特和布克斯特胡德两位作曲家。
“阿波罗的里拉琴”是一组六首不同调的咏叹调和变奏曲（Aria and variation），它们分别是：
1.Aria Prima
2.Aria Secunda
3.Aria Tertia
4.Aria Quarta
5.Aria Quinta
6.Aria Sexta（Aria Sebaldina）

另外作品
1.f小调恰空
2.d小调恰空
3.C大调赋格

弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦（F.F.Chopin，1810年3月1日～1849年10月17日），19世纪波兰作曲家、钢琴家。
1810年3月1日，肖邦出生于波兰；1817年开始创作；1818年登台演出；1822年至1829年在华沙国家音乐高等学校学习作曲和音乐理论。1829年起以作曲家和钢琴家的身份在欧洲巡演。后因波兰起义失败而定居巴黎，从事教学和创作。
1849年10月17日，肖邦因肺结核逝世于巴黎。
肖邦是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一，欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。他的作品以波兰民间歌舞为基础，同时又深受巴赫影响，多以钢琴曲为主，被誉为“浪漫主义钢琴诗人”。

人物评价
作为著名的浪漫主义“钢琴诗人”，肖邦的音乐被称为“花丛中的大炮”，为同时代的音乐大家李斯特、舒曼等激赏；他一生钟情于5位女子，与法国作家乔治·桑同居近9年却一直未婚；因为不愿当亡国奴，他后半生再也没能踏上故土；客死他乡时，年仅39岁，巴黎很多贵妇都认为昏倒在他临终的卧房里是幸福所在……
“生于华沙，灵魂属于波兰，才华属于世界。”今天看来，这依然是对肖邦中肯的评价。与“日心说”的创立者哥白尼、物理学家居里夫人等人一样，肖邦已然成了波兰的象征和国家的名片，其所承载的意义早已超越音乐、钢琴的范畴。（文史参考）

创作风格
综合评价
肖邦多以钢琴曲为主，体裁多样、内容丰富、感情朴实、手法简练、题材紧扣波兰人民的生活、历史和爱国诗歌，曲调热情奔放、和声丰富多彩、结构灵活自如。
作为著名钢琴演奏家，肖邦的演奏技巧精湛、手法细腻、音响华丽、富裕激情、出神入化，他的钢琴踏板用法独特。

创作范围

练习曲
肖邦创作的练习曲完全突破克莱门蒂、车尔尼、莫谢莱兹以来纯技术性练习曲的创作手法，不刻意突出华丽的炫技性，让音乐传递出更深刻的感情。
如《C小调练习曲》（作品10号之12“革命”）是肖邦1831年赴巴黎途中，在得知俄军入侵华沙后悲愤之余写下的。从技巧上看，这是一首左手跑动练习曲，但从右手壮烈的八度音旋律和左手狂风暴雨般的倾泻中却都不难看出作曲家当时内心情绪的极度激动。

圆舞曲
肖邦圆舞曲一向以优美、高雅、华丽而著称，但由于节奏变化复杂，因而并不适于实际的舞蹈。
从表达形式上来说可分为两大类别：一类是把实际的舞蹈加以理想化的作品，如《降E大调华丽大圆舞曲》，《降D大调“小狗”圆舞曲》；另一类则为圆舞曲形式的抒情诗，如《升C小调圆舞曲》。

前奏曲
肖邦的前奏曲，可将风格迥异的个曲，自由结合为组曲。
创作于1836至1839年间的《前奏曲》Op.28，这二十四首前奏曲包含了各种不同长度、织度、风格、与多种作曲技巧于其中，调性是以不同的二十四个关系大小调作五度循环的排列，其音乐风格则可以归纳为练习曲、夜曲、玛祖卡、葬礼进行曲、谐谑曲、无穷动、歌谣体、幻想曲与即兴曲等类型。

谐谑曲
谐谑曲本意味着戏谑，但肖邦诙谐曲作品中却并无突出的戏谑，反而多忧郁和对个人的反抗，其实是包含着对自身的嘲笑与挖苦。
如创作于1831年的《b小调第一谐谑曲》，第一主题是暴风雨般的狂烈，第二乐章注明慢板处，有怪异的和弦。开头部分的不协和和弦带着突变的情绪出现，但中间段的“美梦”并未被这突如其来的一拳所击破。然后第二主题前半段的怪异和弦又相继出现，重新引入了不断挣扎、搏斗、渴求的情绪，直到结束仍未看到光明的前景。

马祖卡舞曲
肖邦的玛祖卡舞曲变化性地应用了民间节奏，并按照高度专业化的艺术标准进行再创作，在和声、调式等方面更有独出心裁的创造，他的乐曲中有着更精练的旋律，增加了跳跃感，在变化中赋予诗意。
《升c小调舞曲》是肖邦玛祖卡曲目里规模最大的，乐曲的开头受到巴赫的音乐风格影响，有着古典的感情，犹如管风琴的鸣响。封.隆兹评说：“开头好像为管风琴而作，却断然以沙龙风格结束，没有一首作品像这样被推敲过。”

夜曲
夜曲是肖邦自己创新的一种钢琴独奏体裁，它具有冲淡平和，寂静幽澜的特点，轻缓中偶尔透着那么一点点沉思。
《升C小调夜曲》，为三段体，第一段以柔声奏出暗淡的旋律，经种种转调后，情绪越来越不安;中段速度转快，出现悲痛的第二主题，它化解为明朗后再复归第一主题。

音乐作品
肖邦一生创作了大约二百部作品，主要作品有：钢琴协奏曲2首、钢琴三重奏、钢琴奏鸣曲3首、叙事曲4首、谐谑曲4首、练习曲27首、波罗乃兹舞曲16首、圆舞曲17首、夜曲21首、即兴曲4首、埃科塞兹舞曲3首、歌曲17首；此外还有波莱罗舞曲、船歌、摇篮曲、幻想曲、回旋曲、变奏曲等，共21卷。
因大部分作品是钢琴曲，肖邦被誉为“钢琴诗人”。

作品类别	作品名称	作品编码
圆舞曲	降E大调华丽大圆舞曲	Op.18
圆舞曲	降D大调圆舞曲	Op.64 No.1
圆舞曲	升C小调圆舞曲	Op.64 No.2
圆舞曲	降A大调圆舞曲	Op.69 No.1
圆舞曲	降G大调圆舞曲	Op.70 No.1
钢琴奏鸣曲	C小调第一钢琴奏鸣曲	Op.4
钢琴奏鸣曲	降B小调第二钢琴奏鸣曲	Op.35
钢琴奏鸣曲	第三钢琴奏鸣曲	Op.58
钢琴协奏曲	第一钢琴协奏曲	Op.11
钢琴协奏曲	第二钢琴协奏曲	Op.21
波兰舞曲	A大调军队波兰舞曲	Op.40
波兰舞曲	降A大调英雄波兰舞曲	Op.53
夜曲	降E大调夜曲	Op.9 No.2
夜曲	升F大调夜曲	Op.15 No.2
夜曲	降B小调夜曲	Op.9 No.1
夜曲	降A大调夜曲	Op.32 No.2
玛祖卡舞曲	第二十三号玛祖卡舞曲	Op.33 No.2
玛祖卡舞曲	第四十四号玛祖卡舞曲	Op.67 No.3
练习曲	C小调革命练习曲	Op.10 No.12
练习曲	E大调离别练习曲	Op.10 No.3
叙事曲	第一号叙事曲	Op.23
诙谐曲	第一号诙谐曲	Op.20
前奏曲	第七号前奏曲	Op.28 No.7

后世影响

电影
■《一曲难忘》
片名：一曲难忘（A Song to Remember）
上映时间：1945年
内容：讲述在19世纪三、四十年代的巴黎，寓居法国的肖邦为着事业和爱情、个人与祖国，经历了爱与恨、灵与肉的心灵冲突。
■《肖邦的青年时代》
片名：肖邦的青年时代（Mlodosc Chopina）
上映时间：1952年
内容：讲述十九世纪波兰杰出的爱国音乐家弗里德里克·肖邦青年时代的革命斗争和创作生活。
■《蓝色乐章》
片名：蓝色乐章（Note bleue，La）
上映时间：1991年
内容：讲述肖邦和女友最后的日子，在一起的8年里，他们各自创作了不朽的作品。
■《肖邦：爱的渴望》 [14]
片名：肖邦：爱的渴望（Chopin. Pragnienie milosci）
上映时间：2002年
内容：讲述法国著名的作家乔治桑与波兰最负盛名的作曲家肖邦从相爱到出现感情裂痕，直至最后分手的情感历程。

书籍
■《肖邦在巴黎：浪漫作曲家的生活与时代》
书目：肖邦在巴黎：浪漫作曲家的生活与时代
作者：（美）塔德·肖尔茨
■《李斯特论肖邦》
书目：李斯特论肖邦（Life of Chopin）
作者：弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）
■《肖邦传》
书目：肖邦传
作者：贝尔纳·加沃蒂
■《肖邦与普雷耶》
书目：《肖邦与普雷耶》
作者：让-雅克·艾格丁格

国际比赛
■肖邦国际钢琴比赛（International Chopin Piano Competition）
肖邦国际钢琴比赛是世界上最著名、最严格、最权威、级别最高的钢琴比赛之一，从1927年开始每五年举办一次，有“钢琴奥运”之称。它由波兰钢琴家Jerzy Zurawlew教授创办，在著名音乐家肖邦的故乡波兰首都华沙的华沙爱乐厅举行。
其他
■小行星肖邦3784（Asteroid 3784 Chopin）
小行星3784是位于小行星带主带中的一颗直径约为28.53km（±4.4km）的小行星。该小行星于1986年被Eric W. Elst发现，并以19世纪波兰的著名作曲家、钢琴家弗雷德里克·肖邦的名字命名。
■华沙弗里德里克·肖邦机场（Warsaw Frederic Chopin Airport/Frederic Chopin International Airport）
华沙弗里德里克·肖邦机场是位于波兰首都华沙的国际机场，原名华沙—奥肯切国际机场，后为了纪念该国著名作曲家弗里德里克·肖邦而改今名。
■肖邦年
2010年是波兰伟大作曲家和钢琴家肖邦诞辰200周年，波兰参众两院此前决定把2010年命名为“肖邦年”。在一年时间内，全球几十个国家将举办2000余场音乐会、电影、展览等活动，纪念这位波兰音乐家。

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685年3月21日 [15] ～1750年7月28日），出生于德国图林根州的埃森纳赫，巴洛克时期德国作曲家、键盘演奏家。
1700年，赴吕内堡，进入米歇尔学校唱诗班学习。1703年至1707年，先后在阿恩施塔特和米尔豪森任职。1708年，到魏玛任宫廷教堂管风琴师；在职的9年期间，创作了大量的管风琴曲与康塔塔，并钻研法国古钢琴音乐与意大利弦乐作品。1717年，转而受聘于科腾，在列奥波德亲王府邸担任宫廷乐长和键盘演奏家；在此期间创作了大量的世俗器乐作品，如小提琴协奏曲、各类奏鸣曲、组曲、创意曲、《勃兰登堡协奏曲》，以及《平均律钢琴曲集》第一集。1723年，赴莱比锡，在该城工作的27年时间里，任圣托马斯教堂合唱指挥和音乐总监等职；在此期间，创作了其重要的宗教和世俗音乐作品，包括《马太受难曲》《约翰受难曲》《b小调弥撒曲》，以及康塔塔、经文歌、圣母颂歌等。1749年，视力减退，后双目失明。1750年7月28日，巴赫在莱比锡逝世，享年65岁。

巴赫的音乐作品体裁丰富，其声乐作品以宗教音乐为主，器乐作品则涵盖独奏曲、协奏曲、管弦乐合奏曲、重奏曲在内的各类体裁及其大量作品。因巴赫的作品对欧洲近代音乐的发展产生了积极影响，故被称为“西方音乐之父” 。

早年经历
1685年3月21日，约翰·塞巴斯蒂安·巴赫出生于德国图林根州埃森纳赫的一个音乐世家，他是约翰·安布罗西乌斯·巴赫与玛丽亚·伊丽莎白·巴赫的第七个也是最后一个孩子。1693年，就读于埃森纳赫拉丁语学校，并参加学校唱诗班接受歌唱训练。
1694年5月1日，巴赫的母亲去世，终年50岁。1695年2月20日，巴赫的父亲去世，享年49岁；同年，因父母离世，巴赫与其兄约翰·雅各布前往奥尔德鲁夫，加入了长兄——管风琴师约翰·克里斯多夫的家庭；在此期间，长兄教授了弟弟管风琴的演奏技能和一些作曲基础理论，在其培养下，巴赫的音乐技能得到了一定的提高。1695年至1700年，进入奥尔德鲁夫学园学习，从三等班读到一等班。
1700年3月15日，离开奥尔德鲁夫，进入米歇尔学校唱诗班学习。1702年4月，从米歇尔学校毕业，返回图林根地区；7月，申请赞格豪森圣雅各比教堂的市镇管风琴职位，因公爵的干预，此职位被让予他人；同年，多次徒步前往汉堡聆听赖因肯的管风琴演奏，并前往策勒聆听法国风格的室内乐演奏。1703年，在萨克森·魏玛的约翰·恩斯特公爵处担任音乐仆人；7月，在阿恩施塔特的新教堂测试管风琴。

人物评价

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的音乐不是小溪（Bach），而是大海（Meer）。（作曲家路德维希·凡·贝多芬评）

只有一个创作源泉使大家总可以获得新意——那就是巴赫。（作曲家罗伯特·舒曼评）

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的音乐表达了在此之前的人们不敢用、不能用或只是尝试用音乐表达却未成功的东西。他用独一无二的现实主义手法创造了一种朴实无华的万能的语言，并借助这种语言描绘人的情感和世间百态，他的音乐传达出一种思想，即认为音乐的受众不再仅仅是传统的基督教市民，而是孤独的、疑惑的现代人，他们没有了信仰，在社会中找不到精神寄托，不得不在没有“教堂赐福”的情况下度过人生的绝大部分时光。（作曲家汉斯·维尔纳·亨策评）

后世影响
福克尔发表巴赫传记
1802年，德国历史学家约翰·尼古拉·福克尔发表了著作《论约·塞·巴赫的生活、天才与作品》。在这部音乐史上的首部巴赫传记中，福克尔肯定了巴赫的音乐及其价值，并提倡人们加以保护

门德尔松指挥《马太受难曲》

1829年，值巴赫创作完成《马太受难曲》100周年，作曲家门德尔松在柏林合唱学院大厅重现了该作，并引起关注。由此，展开了“巴赫复兴运动”，音乐家与学者们开始了对巴赫音乐的探索和研究。

巴赫学会成立
1850年，为纪念巴赫逝世100周年，作曲家罗伯特·舒曼、弗朗茨·李斯特等人在德国创立了“巴赫学会”，该学会是一个致力于弘扬巴赫的音乐成绩和出版巴赫音乐作品的国际性学术机构。

我们对埃德尔曼的回信内容一无所知，我们只知道巴赫依旧呆在了莱比锡直至逝世（其实际情况是埃德尔曼之后很快出任莱比锡圣托玛斯教堂学校校董，巴赫的处境因而得到极大改善，这是促使他留在莱比锡的直接原因——译者）。1733年他为皇室创作出b小调崇高弥撒，期望以此获得宫廷作曲家的称号。三年后，他正式受封为“萨克森选帝侯及波兰国王御用作曲家”，而这一切都还要大力归功于海曼-卡尔（Hermann Karl）和巴伦-冯-凯瑟林（Baron von Keyserlingk）的帮助。

凯瑟林伯爵是俄国驻德累斯顿的大使，音乐是他最大的爱好。在家乡Neustadt他拥有由当时最好的器乐演奏家们所组成的乐队；哥德堡便是那些数量惊人的羽管键琴家中的一员。约翰-哥德堡（Johann Goldberg）1727年出生于Danzig，少年时在德累斯顿跟随巴赫的长子威尔海姆-弗里德曼学习键盘乐，后来他被凯瑟林伯爵送往莱比锡直接师从巴赫。他卓越的才华令自己声名远播，他有时仿佛能将所见到的一切借助于键盘加以表达，巴赫一定为自己能有这样的学生而感到高兴。

至于有关于“哥德堡变奏曲”的来历最先是由巴赫的第一位传记作者约翰-尼古拉斯-福克尔（Johann Nicolaus Forkel）提出的，他在传记里这样写道：
凯瑟林伯爵体质很弱，并患有严重的失眠症。在那个时候，与他生活在一起的哥德堡总是会在晚间的起居厅为他演奏一些舒缓小曲以有助于他的入睡。这位伯爵曾对巴赫说，希望他能为哥德堡写作一些轻柔并且具有某些生活化特征的键盘小品，这样使他在那些不眠之夜里能得到情感上的慰藉。巴赫认为最好用变奏曲的形式来满足这个要求，而且整部作品在固定和声结构上应该具有同一性——毕竟伯爵曾经有恩于巴赫，而他至今也还没做出过任何忘恩负义的事情来。纵观巴赫的整个创作年代，这部作品的形式是独一无二的。从那以后，伯爵便称这首曲子为“他的”变奏曲，他沉溺于聆听忘乎所以；在很长一段时间内，每当难眠之夜到来时，他总会说：“亲爱的哥德堡，请演奏一些我的变奏曲吧！”巴赫同样得到了他一生当中最不可思议的奖励：伯爵送给他一个嵌满100枚金路易的金杯作为礼物。然而现在看来，纵使凯瑟林伯爵的奖励再贵上千万倍，也是无法同巴赫这部真正杰作的价值相提并论的。

音乐评价
当然很多音乐学家对此并不太信服，其理由大致有三：首先，这部作品于1742年出版时并未提及任何受献者，巴赫所规定的标题也十分清楚——《为羽管键琴所作的由一段咏叹调及一系列变奏所组成的键盘练习曲》。第二，哥德堡当时年仅十四五岁，那时键盘的技巧发展水平理应与现在同比相当。如果他没有在29岁英年早逝，我们或许会知道得更多。最后，在巴赫的所有固定产中，我们没有发现任何“金杯”——虽然他拥有一个价值连城的玛瑙香烟盒（据考证那是他晚年受赠于德皇腓特列二世——译者）。其实真相到底是什么并不重要，这仅仅是一个非常好的故事（并且还是一个好得不能再好的题目！）——而且毫无疑问的是，它将永远与这部旷世巨著紧密联系在一起。

在这部恢弘的变奏曲中，巴赫所选用的主题是一首Aria，来源于1725年他为第二任妻子安娜-玛格德琳娜（Anna Magdalena）所作的一首温柔小品。但现在仍旧有不少音乐学家对其出处心存疑惑，这些都与欣赏作品毫不相关；重要的是这个主题的特征与节奏——她是一首庄重尊贵的萨拉班德舞曲，充满着纤弱而自制的情感。法国式的风情高度美化着她——装饰音不再是随意的附加，而是组成旋律线的主要部分。相较于表面的旋律，低音部暗示的和声更加引人注意，那是构成随后30个变奏的基础。这个主题由四个和声结构完全相同的八小节句子构成：她首先建立在G大调的主音上；后来转向属音和弦；在经历第一次反复之后她从属音移往关系调（e小调），在返回最后8小节的主音之前，更大的张力被注入到音乐中来（之后是第二部分的反复）。整部作品一共有三个g小调的变奏，在那些地方降E大调代替了e小调，灰暗的调式显现光明（异常特别的第25变奏除外，那里持续笼罩在降e小调的黯淡阴沉之中）。

有了这样的基础，巴赫可以开始建立他壮丽的大厦了——那里存在着格外美丽的比例和不断涌现的新奇事物。这部作品的全部30个变奏每3个被编排成一组，每组的最后一首为卡农曲。她们在所有变奏中最富于歌唱性，我有时甚至会沉溺其中而忘记去思考她们的结构——因为这里的音乐是如此精巧，带给我无穷的欢乐与难言的刺激。另外，每一组都由一首相对自由的变奏开始（有些类似于舞曲但严格遵循对位法），第二首通常是为双层键盘所设计的带有辉煌技巧的托卡塔，在这里哥德堡可以有机会尽情展示他的清湛技艺。
第一变奏荡漾着愉悦的气息。第一小节左手的跳跃与节奏在巴赫音乐中常用来表达欢乐的动机（像平均律第一卷中的降A大调前奏曲）。这首两部创意曲里双手交叉的演奏技法同样令人印象深刻，因为这种技法在后来的变奏中几乎等同于一种特征。原是一首炫技托卡塔的第二变奏给予我们第一个意外，她以近乎卡农的形式从一开始便在嘲弄着我们，这其实是一支简单的三部创意曲。与BWV936中的D大调前奏曲相类似，在连续不断进行的低音背景下，两个声部展开了持续的对答——或许是巴赫认为在面临巨大的转变前夕我们应该需要一点时间热热身才对！接着就是全曲的第一支卡农——同音的第三变奏。通过一种接近于舞蹈的感觉，12/8的时值暗示出朴素而带有田园意味的细腻情绪。由于要用单手演奏出相隔很近的声部，因而如何将复杂交错的结构完整清晰地传递给听众对每一位钢琴家来说都将是一个挑战（羽管键琴要比现代钢琴易于表达）。在最先的四个小节，左手清楚而优雅地交代和声，织体规模随之快速地发展开来。

第四变奏是一首听上去有点狂野的舞曲。开篇的三个单音以一种游戏般的摹仿不间断地跳动，切分音同时增加了很多乐趣，这是一首振奋人心的灿烂托卡塔。第五变奏使用了一种典型的意大利触键手法，一只手有时会很危险地跳过另一只。音乐首先从左手开始，接着右手演奏出非常巴赫式的倒置的对位旋律。这首曲子如万达-兰多乌丝卡（Wanda Landowska）所言“她迸发出不可遏制的欢乐”。在下一首托卡塔来临之前，我们获得了一个冷静的空间。

虽然《哥德堡变奏曲》的原始手稿已经遗失，这里增加了几处节拍标记，尤其是在“吉格舞曲节奏”的第七变奏中。据推测巴赫估计并不想让曲子的节拍过于缓慢，于是有意让她更接近于西西里或是佛拉纳舞曲，但实际上这首法国式的吉格舞与BWV831里的法国序曲非常相似。她分散多变的节奏与敏锐的装饰音使之成为所有变奏中最富于魅力的曲子之一。由于存在险峻的双手重叠，第八变奏成为技巧与难度的展示。法国式的双手交叉要求同时弹奏键盘的同一部分，钢琴表现的最大问题是需要高度的细心以避免声音的混淆。但第八变奏的节奏依然使人迷惑：假如不看乐谱，一些听众将会在乐曲开始时将3/4拍辨认为6/8拍。为了防止使人误入歧途，钢琴家应该稍微强调一下重音。在演奏这首曲子时双手不断接近又分离——如同一些练习曲那样——两臂的交叉同时也提供了视觉上令人激动的效果。下一个卡农，第九变奏——第三组的结尾，充满迷人的抒情性，音乐在娴静中流淌，较之前面卡农曲更加动力强劲的低音部为美好的旋律提供了有力的支撑。

第十变奏是首四部赋格——亲切而自然，让我想起《安娜-玛格德琳娜的笔记薄》中的D大调进行曲。第十一变奏出现了更多的双手重叠，这首12/16拍、有些接近于托卡塔的吉格舞曲需要柔和的演奏。她由交错的音阶、变化莫测的琶音和颤音所构成，最终隐没在飘荡的空气里。然后巴赫给了我们第一支倒置卡农——变奏十二，我在此曲中察觉到一些带有王者意味的特征，因而觉得她不该被演奏得匆匆忙忙。
变奏十三带领我们进入到一个异常崇高的世界，我感觉整部作品的情感在这里悄然发生了转变。如果此前的大部分变奏还完全来自于物质世界，那十三变奏则第一次让我们离开那里。她纤弱而节制的旋律，仿佛来自于一首协奏曲的慢乐章（但不要太慢！），运用某些小提琴的声学轮廓特征以及两个叹息般的单音，从伴奏音型里升向高空。临近结束时左手的几个半音阶再次增强了极乐净土的庄严与神秘感。思绪已然在钢琴的某处停留，手指却在别处敲击键盘——十四变奏以尖锐、快活的嘲讽作为开端，巴赫将我们从梦中唤醒。在大范围的下行乐句里，讽刺像是唯一的特征（反复后转变为上升）。我们常被告知在巴洛克音乐里装饰音是以强音拍演奏的，但这里巴赫却将它们全数写在强音拍之前。So much for the rule! 在经历了一段情绪宣泄后，十五变奏以第五卡农的形式展示给我们全曲的首个小调变奏。对比的情感体验非常适宜，她下行的乐句依旧沉浸在十三变奏的叹息声中，格外伤感；但相应的上行旋律却带给人希望。巴赫不允许自己的音乐里出现全盘的绝望，这缘于他坚定而深沉的宗教信仰，十五变奏对于巴赫的这种音乐表达是极具说服力的明证。她的节奏趋于行板，2/4拍，音乐在悲伤中流淌。低音声部充满引人注目的戏剧性，并摹仿上面声部的叹息和广阔音程。在乐曲那令人难忘的结尾，两手彼此分开，右手静止在距键盘五度的半空——乐音逐渐褪去，我们被孤独地遗留在深深的敬畏之中，同时准备面对更多——这也是《哥德堡变奏曲》前半部的结束。

作品影响
《哥德堡变奏曲》常被音乐界认为是巴赫的“键盘练习曲”的第四部分，虽然他从未确切说明过这点。这套练习曲规模宏大，第一卷包括了全部六首帕蒂塔，第二卷包括“意大利协奏曲”和“法国序曲”，第三卷则是管风琴圣咏的变奏曲。在这些作品里面，法国序曲的特征随处可见：比如D大调第四帕蒂塔的开篇；第二卷中的同名著作自不用说；然后是第三卷为管风琴所作的降E大调前奏曲与赋格。而在《哥德堡变奏曲》里，十六变奏同样如此。此曲以雍容典雅的隆重气氛拉开了《哥德堡》的后半部分。她分为两段：首先是宏大的连续音阶，辉煌的颤音以及剧烈的节奏——直至进行到16小节的主导调式；反复后是更加快速的的赋格段。这里的音乐织体尽管清楚透明但依然十分管弦乐化，我们有两个3/8拍的迅捷小节，每个小节都采用最初的和声。

十七变奏是一首精神饱满的托卡塔，巴赫显然怀着极大的愉悦心情为双层键盘的羽管键琴创作了此曲。在现代钢琴的表达里，双手要在彼此的顶部演奏较长时间。作为第六卡农的十八变奏继续着这种美好的感觉。低音声部很美，在两个卡农声部下快乐地跳跃。

十九变奏是一支充满吸引力的精美舞蹈。变换不同的触键手法可以使三个动机发挥出更好的效果，保留反复也能呈现出声学的更多美感。这个变奏给予演奏家一个放松的时段——因为最险峻的托卡塔已经在眼前了！

二十变奏——巴赫专门为那些对手中乐器有足够驾御能力的英勇无畏之人所作，但她却又并不单纯是技巧的表演。当演奏者进入到25至28小节的分解和弦时，如林般密布的音符只为表达欢乐与幽默。在巴赫的音乐里，洋溢着极大欢欣的时刻往往也是悲情不期而至的时刻，二十一变奏又将我们拉回到g小调的无底深渊中去。低音声部的半音阶强化了这首卡农的表现力。在第三小节，一个旋转着的动机从低音部开始。纵然这首曲子弥漫着痛切，但也不应被演奏得过度缓慢——无论如何，小调的真实悲悯感已然到来了。

我常在二十二变奏黎明般的开头感觉自己仿佛获得了新生，G大调的回归如此美好。类似经文歌式的摹仿对答大量运用——似乎从此曲开始，后面的一系列变奏便自发地形成次序驶向整部作品的结尾。对于那些对此曲有着特别亲密感的人而言，《哥德堡》的结尾宛如彼岸已入视线，我们终于知道将被带往何处。巴赫赋予二十三变奏很多乐趣，在这里双手玩起了“catch-me-if-you-can”的游戏，他们在彼此顶端来回翻滚（27到30小节），在最后的和弦处戛然而止！这种在两个三度和六度音程上如风般疾行的技巧在当时可谓达到钢琴表现的极至，并为后来的作曲家们铺平了道路。我们不但从音乐而且也从切身的演奏中获得了极大的欢乐与振奋。在夸张的技艺卖弄以后，二十四变奏——八度音程的卡农创造了一种安详宁静的感觉。这首9/8拍的田园风格曲的主导声部在乐曲中部发生转变（9小节到24小节之间）。结尾处右手的大三度非常完美地导向下曲开篇时左手的小三度，这两个和弦的转换使得整个氛围陡然发生变化。

二十五变奏——毫无疑问，整部作品里最卓越的变奏——演奏她不仅需要高度的技巧，更要求钢琴家具有极深刻的内在体验力与表现力。该曲节奏回到最初的萨拉班德，交织着美丽与痛感的如歌旋律展现出无可比拟的情感深度，悲怆的半音阶昭示着浪漫主义的源头。这首被兰多乌丝卡称为“黑珍珠”的乐曲具有比其他变奏更慢的节拍，虽然她们都有相同的小节数。开篇装饰性的“反复单音”非常富于歌唱性与表现力，她常在某些情感强烈的作品里被巴赫用于六度跳跃，后来肖邦也常常使用这种手法。当紧张的情绪逐渐释放后，下行的旋律伴以不协和的倚音最终结束在主音上。在某些私密的时刻，我会感受到另外一个全然不受尘世侵扰的世界（我凭直觉认为该萨拉班德来自于第六帕蒂塔）。

最后的卡农，二十七变奏——唯一的一曲巴赫舍弃了次要的低音部。在主题的和声轮廓上，两个卡农声部友好而淘气地喋喋不休，结尾很突然也很意外！然后冲进二十八变奏——颤音练习，钟鸣般的强音与大范围的跳音带来层出不穷的欢悦。一架性能优越的钢琴所具备的清晰度对于演绎好此曲十分必要。不用提醒了，二十九变奏就是最后一首托卡塔。仍旧是欢乐的开篇，从左手擂鼓般的强音开始，跟着在双层键盘上“捶击”出和弦。左手加倍的八度跳跃又增加了许多额外的力量。我认为此曲的表达应从某种程度的自由即兴开始，但随后的下行音列须严格控制好时间。之后我们被引导进入欢欣鼓舞的三十变奏，我们曾期待这将是第十个卡农，但巴赫常出人意料。这首曲子是一个“Quodlibet”，意指当时在流行歌曲里所经常出现的一类音乐玩笑：歌手喜欢将某种带有截然不同特征或情绪的歌词安置于原有的曲子之上，以达到娱乐的效果。人们非常喜欢在家庭聚会时玩这种游戏，特别是在酒足饭饱之后。那时巴赫家族每年都要举行盛大的集会，他们通常会在具有节庆气氛的宗教合唱中开始，最后大家即兴表演“quodlibet”，聚会在一种与开始时全然相反的氛围里结束。“quodlibet”的歌词通常也特别幽默有时甚至让人捧腹。在所有变奏的结尾，巴赫选择了两首自己在家族聚会最最爱唱的民歌，歌词分别是——
第一首：
我和你已好久不曾相见
请你靠近点，近一点，再近点
第二首：
白菜和甜菜我都不爱
如果妈妈多做一些肉
我想我会长久地留下来

通过引用这些民歌，巴赫将他崇高的思想融入进每一天，将温情与爱注入到我们心间。在大多数人看来，巴赫是位受强烈理性主宰的“工作狂”，但他依旧懂得如何享受生活，并期望与我们一起分担悲伤与快乐。现在所有的聚会与盛宴都已经过去了，人群渐行渐远；咏叹调从遥远的他方缓步而来。她再也不像全曲开始时那样庄重清澈，她笼罩在一层薄雾之中充满回忆的美丽——这是世间所有音乐中最让人动容的时刻之一，她以最质朴的口吻告知我们——漫漫旅途已然结束，我们是该回到自己来时的地方了。

兰多乌丝卡曾经这样抱怨：“如今大众争先恐后地购买《哥德堡》的音乐会门票，这种贪婪之举令我伤心沮丧。难道他们真的是出于对音乐的爱吗？不，他们不了解——他们只是被一种简单的好奇所驱使，想要见见这部从古至今最困难的键盘曲是如何被卓越的技巧征服的。”当然以上的话写于1933年，那时兰多乌丝卡正好完成了这部作品的世界首次录音。今天，《哥德堡》成为人类心智的最高象征之一——而且幸运的是那些音乐会门票依旧销量大好！对于每一个诠释者而言，在演奏时是否保留反复成为了长久的问题，至少这关系着作品长度的加倍与否。但无论你选择怎么做都不可能令所有人满意。弗兰西斯-托维（Francis Tovey）认为“全部演奏是没有学问的表现”；布索尼（Busoni）同样反对反复，他甚至声称有些变奏完全可以整个删除！大多数音乐会的经纪人都不希望一场音乐会就只演奏一部80分钟长的作品；在过去的25年里，我也经常在音乐会的下半段演奏省略反复的《哥德堡变奏曲》。在这款新录音中，我的演奏保留了全部的反复——我发现作品的效果被无限扩展了——音乐的建筑之美从未如此令人震撼——有限的变奏开辟出变化的无穷无尽！

我们应当自问：为什么这部作品会有如此强大的精神穿透力呢？聆听她时常让我置身于一个似曾相识的瞬态时空，隐藏其间的感觉我仿佛一生都在寻觅。算了，大概这永远都将是一个谜，一场梦吧！当我决定要为《哥德堡》写下些什么时，文字却又变得拘谨保守；想起1934年拉尔夫-基尔帕特里克（Ralph Kirkpatrick）为这部杰作所写的那非凡的论著，其序言引用了托玛斯-布朗爵士（Sir Thomas Browne）《一个医生的宗教信仰》中的一段话，我对此感同身受：

这里存在着远比我们耳朵所闻更加神性的东西。它是造物主创造的这个世界里最晦涩难解的一部分；正如我们听到的一段旋律那样，只有洞察一切的世界自身才能领悟其全部意义。

雅科布·路德维希·费利克斯·门德尔松·巴托尔迪（德语：Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy，1809年2月3日—1847年11月4日），男，简称门德尔松或费利克斯·门德尔松。德国犹太裔作曲家、德国浪漫乐派最具代表性的人物之一，被誉为浪漫主义杰出的“抒情风景画大师”，作品以精美、优雅、华丽著称。

主要成就
在创作上，首创了高雅纯净、形式短小的钢琴曲"无词歌"（Songs Without Words），创作了著名的《仲夏夜之梦》序曲、《苏格兰交响曲》和《意大利交响曲》，把浪漫主义与古典主义的特点交织在一起，音乐既含有古典主义的逻辑性，又带有浪漫主义的幻想性；他创作的《e小调小提琴协奏曲》具有华丽的技巧与甜美的旋律，是举世公认的精品。

在音乐的启蒙运动上，门德尔松使被人们遗忘了几乎一百多年的作品——巴赫的《马太受难曲》重放光芒，这是音乐史上最重大的事件之一，从此人们开始重新认识巴赫。
在音乐教育上，创办了德国第一所音乐学院——莱比锡音乐学院，为后来德国音乐教育的发展打下了坚实的基础。
他发明了指挥棒。

主要作品
管弦乐曲
（一）交响曲
1.管弦乐队演奏的交响曲：
MWV.N.8 D大调交响曲（为弦乐队而作的《D大调第八交响曲》的管弦乐队版本，由门德尔松本人亲自改编），完成于1822年；
MWV.N.13 c小调第一交响曲（首演时称c小调第十三交响曲），Op.11，完成于1824年；
MWV.A.18 降B大调第二（颂赞歌）交响曲（亦交响康塔塔），Op.52，完成于1840年；
MWV.N.18 a小调第三（苏格兰）交响曲，Op.56，完成于1842年；
MWV.N.16 A大调第四（意大利）交响曲，Op.90，完成于1833年；
MWV.N.15 d小调第五（宗教改革）交响曲，Op.107，完成于1830年，出版于1868年；
MWV.N.17 降B大调交响曲（未完成，仅存片段），写于1839年；
MWV.N.19 C大调交响曲（未完成，仅存片段），写于1845年。
2.弦乐队演奏的交响曲（早期的作品，完成于1821-1823年）：
MWV.N.1 C大调第一交响曲，3个乐章，1821；
MWV.N.2 D大调第二交响曲，3个乐章，1821；
MWV.N.3 e小调第三交响曲，3个乐章，1821；
MWV.N.4 c小调第四交响曲，3个乐章，1821；
MWV.N.5 降B大调第五交响曲，3个乐章，1821；
MWV.N.6 降E大调第六交响曲，3个乐章，1821；
MWV.N.7 d小调第七交响曲，4个乐章，1821；
MWV.N.8 D大调第八交响曲，4个乐章，1822；
MWV.N.9 C大调第九交响曲，4个乐章，1823；
MWV.N.10 b小调第十交响曲，1个乐章，1823；
MWV.N.11 F大调第十一交响曲，5个乐章，1823；
MWV.N.12 g小调第十二交响曲，3个乐章，1823；
MWV.N.14 c小调交响乐章，1个乐章，1823。
3.玩具交响曲（Kindersinfonie，全部遗失）
MWV.P.4 玩具交响曲，写于1828年；
MWV.P.6 玩具交响曲，写作时间不明；
MWV.P.8 玩具交响曲，写作时间不明。
（二）序曲
MWV.P.3 E大调仲夏夜之梦序曲，Op.21（1826）；
MWV.P.1 C大调管乐序曲，Op.24（1824）；
MWV.P.7 b小调赫布里底群岛序曲，Op.26（1830，又名芬格尔洞序曲）；
MWV.P.5 D大调平静的大海和幸福的航行序曲，Op.27（1828）；
MWV.P.12 F大调美丽的梅露西娜序曲，Op.32（1833）；
MWV.P.15 c小调吕伊·布拉斯序曲，Op.95（1839）；
MWV.P.2 C大调小号序曲，Op.101（1826）。
（三）其它管弦乐作品
MWV.P.14 a小调葬礼进行曲，Op.103（1836）；
MWV.P.16 D大调进行曲，Op.108（1841）；
MWV.P.17 降E大调进行曲，写作时间不明；
MWV.P.18 降E大调进行曲，写作时间不明。
（四）钢琴协奏曲
MWV.O.2 a小调钢琴协奏曲（一架钢琴与弦乐队），完成于1822年；
MWV.O.5 E大调钢琴协奏曲（两架钢琴与管弦乐队），完成于1823年；
MWV.O.6 降A大调钢琴协奏曲（两架钢琴与管弦乐队），完成于1824年；
以下为一架钢琴与管弦乐队的协奏曲：
MWV.O.7 g小调第一钢琴协奏曲，Op.25，完成于1831年；
MWV.O.11 d小调第二钢琴协奏曲，Op.40，完成于1837年；
MWV.O.13 e小调第三钢琴协奏曲，写于1842至1844年；
注：门德尔松本人并未完成e小调第三钢琴协奏曲，它有部分管弦乐谱（其中只有第一乐章的前11小节是完整的，此外还有56小节不完整的管弦乐谱）和钢琴谱草稿，并未由作曲家本人亲自配器完成。第一、二乐章（分别为e小调、a小调）的钢琴谱草稿由门德尔松本人完成，第三乐章（E大调）的钢琴谱草稿未完成，仅有20小节。由意大利钢琴家普罗希达（Roberto Prosseda）于2006年在牛津的图书馆中发现这两份手稿，并求助于研究门德尔松作品的权威学者布法里尼，将之补写完成，并于2007年进行全球首演，后又与指挥大师里卡多·夏伊（Ricardo Chailly）和莱比锡布商大厦管弦乐团合作录制了一张唱片。
（五）小提琴协奏曲：
MWV.O.3 d小调小提琴协奏曲（一把小提琴与弦乐队），完成于1822年；
MWV.O.14 e小调小提琴协奏曲（一把小提琴与管弦乐队），Op.64，完成于1844年；
（六）二重协奏曲：
MWV.O.4 d小调钢琴与小提琴协奏曲（钢琴、小提琴与弦乐队），完成于1823年。
（七）大提琴协奏曲：门德尔松曾于1844年之后写过一首大提琴协奏曲，不过此曲手稿后来遗失。
（八）钢琴与乐队作品（协奏曲除外）：
MWV.O.1 d小调宣叙调曲（钢琴与弦乐队），完成于1820年；
MWV.O.8 b小调辉煌随想曲，Op.22，完成于1832年；
MWV.O.9 c小调辉煌变奏曲（Duo concertant en variations brillantes，两架钢琴与乐队），Woo.25，完成于1833年。
MWV.O.10 降E大调辉煌回旋曲，Op.29，完成于1834年；
MWV.O.12 b小调小夜曲与欢快的快板，Op.43，完成于1838年。
其他作品
1.合唱作品：
清唱剧：《圣保罗》（1834-1836）、《以利亚》（1846-1847）、《耶稣基督》（未完成，1847）；
交响康塔塔《颂赞歌》（1840，有人称之为第二交响曲）；九首诗篇歌；九首经文歌。
2.戏剧音乐：
歌剧：《卡马秋的婚礼》（1825）、《儿子与陌路人》（1829）、《洛雷利》（未完成，1847）；戏剧配乐有《安提戈涅》（1841）、《第一个瓦尔普吉斯之夜》（1831,1842）、《仲夏夜之梦》（1843）、《阿塔利亚》（1843-1845）、《俄狄浦斯在科洛纳斯》（1845）。
3.室内乐：
六首弦乐四重奏；三首钢琴四重奏（1822-1825）；两首弦乐五重奏（1831,1845）；弦乐六重奏（1824）；弦乐八重奏（1825）；两首三重奏（d小调，1839；c小调，1845）；小提琴奏鸣曲，两首大提琴奏鸣曲（1838、1843）。
4.钢琴：《升f小调随想曲》（1825）；《e小调回旋随想曲》；六首前奏与赋格（1832-1837）；八集《无词歌》。
5.管风琴：三首前奏曲与赋格（1833-1837）；六首奏鸣曲（1839-1844）。
6.歌曲与主调合唱曲：十套钢琴伴奏的歌曲；十一套主调合唱曲。

人物评价

门德尔松是莫扎特之后最完美的曲式大师，古典主义的传统与浪漫主义的志趣在他作品中完美的结合在一起，赋予作品以一种诗意的典雅。他善于将美妙的旋律纳入正规的古典曲式，他不仅是一位热情歌颂自然的诗人，还是一位善于用虚无缥缈画笔的风景画家，他的音乐被称为“描绘性浪漫主义”。
门德尔松作为作曲家、指挥家和钢琴演奏家的才华得到了玛利·比戈（在巴黎）、路德维希·贝格尔、莫舍莱斯等钢琴老师和策尔特（1817年在柏林教他作曲）的鼓励。
他在短暂的一生中创作了大量的各种体裁的音乐作品,他创作的《芬格尔山洞序曲》《第一钢琴协奏曲》《无词歌》《意大利交响曲》《苏格兰交响曲》等都是著名的作品。
门德尔松最早“成熟”作品《仲夏夜之梦》序曲（1826年）和《赫布里底群岛序曲》（1830—1832年）展现出他的精湛的技巧和独特的旋律风格，标志着标题性或描写性音乐会序曲创作史中的一个重要阶段。在后来的作品中他的视野大为扩展（交响曲、协奏曲、清唱剧、合唱音乐、室内乐、钢琴曲、管风琴奏鸣曲、歌曲），但在“技巧”或表情方面却未见有多大的进展。他的很多音乐作品所共有的精练、美妙与和声上的规规矩矩在《以利亚》的伯明翰首演中达到登峰造极的境地，为维多利亚中期的音乐趣味定下了规范。但是他也大胆探索，那首被低估了的《宗教改革交响曲》（No.5，d小调）中不同寻常的结构和瓦格纳风格的先兆就证明了这一点。钢琴独奏《无词歌》是一些精致的小品，柔媚之极，以致使人无法一首又一首地连续聆听，但其中充满令人悦意的创新。他为《马太受难曲》所作的那次著名的演出大大推动了巴赫音乐的复兴；而自从他指挥布业大厅乐队后，他的盛名开始蒸蒸日上，管弦乐演奏也因他的指挥而确立了新标准。

[ 此帖被麒麟の喵在2023-08-18 11:11重新编辑 ]

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