管乐乐器及发展史

管乐起源

　　民乐的管乐，有竹笛、竹箫、唢呐、管子、巴乌、葫芦丝等，都是比较有代表性的。它们的祖先其实就在宁波。宁波余姚的河姆渡，考古专家挖出了骨箫。骨箫就是用野兽的骨头打出孔，做成箫。春秋末期的时候已经被人们广泛应用了。

　　后来人们又发现这个声音还不够美，而用成年竹做笛子，声音比较脆。再后来，发现原来木头也很好，尤其是红木。竹笛受气候影响，音准上会受到一定的限制。所以现在，很多专业的笛子都是用红木做的。

　　后来，沿着丝绸之路，笛子就传到印度。而后又传到埃及。到了17世纪，在德国运用，因此欧洲人称之为德国长笛。

横笛比竖笛有更多的优点，发展比较快，１７世纪就被人们所公认。到１８世纪中叶，横笛已成为人们普遍喜爱的乐器。

管乐器通常分为木管乐器和铜管乐器，而木管乐器更加善于塑造音乐形象。

木管起源及发展

　　木管乐器起源于民间牧笛、芦笛，是乐器家族中音色最为丰富的一族。在交响乐队中不论是独奏或伴奏，都有特殊的韵味。

　　木管乐器大多通过空气振动产生乐音，按发声方式又可大致分为唇鸣类（如长笛等）和簧鸣类（如单簧管等）。木管乐器并不限于木质，同样有选用金属、象牙或是动物骨头等材质的。

　　木管乐器的音色各异、特色鲜明。从优美亮丽到深沉阴郁，应有尽有。

　　西洋的木管乐器种类繁多，据造成气柱振动方式的不同，可以分为好几种不同的类型。须有簧片的木管乐器又有三种类别：第一为单簧片，是由一条固定带（ｌｉｇａｔｕｒｅ）由吹奏者唇间的距离处固定，当气流撞击它时，便会产生振动，连带着也造成吹嘴的管子内气柱的振动。如箫、单簧管、萨克斯风；其二为双簧片，实际上为一整片簧对折成双，并紧密围绕在中空纤维管（ｓｔａｐｌｅ）上。簧片被演奏者含在嘴唇之间，气流使得这两片如纸般薄的簧片规律地振动。簧片本身发出粗哑刺正如乌鸦嘎嘎叫般的声音，但经过纤维管而达乐器的音管时，则变成乐器特有的音色。如双簧管、英国管、巴松管等；最后一种是活簧片，活簧片以金属制成，一端固定，另一端可以自由往来的振动，当簧片振动时，临近的共鸣中的气柱也跟着，并使声音扩大。如口琴、手风琴。

　　除了上述几种木管器之外，有一位比利时乐器制造家和发明家阿多菲·萨克斯（１８１４年～１８９４年），创造了萨克斯风等同类族的乐器，它是利用弹簧片发音，管身为圆锥型，以铜来制造。另有英国管，１９世纪末期，有一音色低沉的双簧管问世，它有梨形钟状口径，使其音色更加柔美，别有独特的音色。

铜管起源及发展

　　铜管乐器前身大多是军号和猎号。到１９世纪上半叶，铜管乐器才在交响乐队中广泛使用。

　　铜管乐器的发音，不是通过缩短管内的空气柱来改变音高，而是依靠演奏者唇部的气压变化及与乐器接通的“附加管”长度来改变音高。所有铜管乐器都装有形状相似的圆柱形号嘴，号口都呈长圆锥形状。

　　铜管乐器的音色雄壮、辉煌、热烈，虽音质各具特色，但宏大、宽广的音量为铜管乐组的共同特点。

　　许多铜管乐器都属于移调乐器。演奏者通常要会演奏各种不同的调子，但是为了简易起见，只学会一套指法即可。当演奏时，得根据乐器的类型予以调整或移调。

　　铜管乐器同样也需要和一般乐队或交响乐团中其他乐器相配合，彼此在音高方面应一致。因此，它必须且备一个可调音的装置，并且它必须容易、简单。环绕状的弯管，由活塞和一个小的活塞滑管所控制，因此可以分别来调音。

木管乐器

木材制成之管状吹奏乐器，谓之木管乐器，简称木管，靠著在管内制造出空气柱的振动来发音，经过改良金属或其他制材也可未必限於木制，依其构造上簧片数目的不同，可分三类~    

一：无簧 (长笛、短笛)

二：单簧 (单簧管、萨克斯风)

三：双簧 (双簧管、低音管)

※音高与管的长短粗细之关系

长笛

短笛

无簧木管乐器: 长笛&短笛 （Flue and Piccolo）

长笛是非常优雅的乐器，现在的长笛大多使用金属制已很少使用木制的乐器，呈银白色，整个管子分为吹口管、身管、尾管三部份。演奏时以手横持，由吹口吹进气体，让管腔内的气柱自由振动，不须藉助任何簧片，使笛子发出一种柔和明亮清澈的音色，除了呼吸的控制外，另外还可利用舌奏及泛音加强音色的变化。其音域约三个八度左右。短笛构造与长笛相似，长度只有长笛的一半，发音比长笛高八度，其演奏技巧与长笛相同。    

单簧木管乐器: 单簧管 (Clarinet)

单簧管又称竖笛，俗称黑管，吹口夹了一个簧片，当空气吹入吹口时，簧片訧会引起管腔内的气柱振动而发声。    

高音萨克斯

中音萨克斯

[次中音萨克斯

低音萨克斯

左到右,低音到高音

单簧木管乐器: 萨克斯风 (Saxophone)

萨克斯风，金属制，内部成圆锥状，末端开口扩大成喇叭状，并向上弯起，但其构造是由低音竖变化而来，故仍归入木管乐器。构造分为吹嘴、吹口与本体。萨克斯风音色慵懒、饱满浓厚，介於木管乐器与铜管乐器之间，目前被广泛使用在军乐队及爵士音乐中 。

分为: 降B高音萨克斯管，降E中音萨克斯管，降B次音萨克斯管，E上低音萨克斯管

双簧木管乐器: 双簧管 (Oboe)

双簧管外形与竖笛很相似，呈圆锥形，三个部份；上管、下管与喇叭口，在上端有两片簧片直接插入管体，演奏者必须学习如何有效的控制呼吸，是木管乐器中音律最难变化的乐器。它的音色是甜美略尖锐细致，虽不如长笛轻快，但似鼻音的声响却具有田园风味的独特特色。

双簧木管乐器: 低音管 (Bassoon)

低音管俗称巴松管，是一个圆锥筒形的双簧片乐器，管体全长为2.6公尺，但因是两段合并而构成一束管子，故外形全长只有1.4公尺。演奏者需将乐器挂在脖子上吹奏，其吹奏法与双簧管相似，但音色更低沉，因此有人称为低音管是木管乐器中的大提琴；其丰富多彩略带幽默的音调也让它得到了「交响乐团里的小丑」的封号。    

铜管乐器

顾名思义乃是由铜金属所制成的乐器，不用簧片，而以双唇振动空气发出声音。乐器是由吹口、音管与扬音管所构成，它们有一些共同的特性都是利用管子的长短及泛音的变化出不同的音高。而且音量大小变化特别大。    

在交响乐团中，主要有小号、法国号、长号及低音号等。    

铜管乐器: 小号 Trumpet

小号也就是俗称的小喇叭，是金属制细薄的圆筒管，在尾端四分之一长的地方扩大成为喇叭口，有三个活塞装置，吹奏时用右手食指、中指、无名指按活塞，左手协助支持乐器。其音色雄壮、嘹亮，可以看成是铜管乐器中的女高音。是交响乐团及军乐队重要的乐器，善於在合奏中吹奏主旋律的部分。由於小号的音色变化多端，在近代受到流行音乐及爵士乐青睐。

铜管乐器: 法国号 French Horn

法国号是中音铜管乐器，外型是长管盘成的圆圈型，尾部则扩大成漏斗状的喇叭口的乐器。其音域比小号低，在铜管乐器中是音域最广的。法国号音色温和、淳厚而高雅。法国号有三个活瓣。吹奏时用左手食指、中指、无名指按活瓣，右手协助支持乐器。    

铜管乐器: 长号 Trombone

它是铜管乐器中，唯一不靠按键，而用伸缩管来回拉奏，所以又称伸缩长号或伸缩号。演奏时利用右手前后拉动音管，而后再靠气来控制来发声，滑音更是长号的持色之一，可为合奏中增添许多色彩。长号的长度约为小号二倍， 它的音色较宽广，也较庄严，像男声中男高音的音色。    

这个是一般的

这个是圈式的,一般用于进行曲

铜管乐器: 低音号 Tuba

低音号也称为大号，俗称为土巴号，是最低音的铜管乐器，体形也最大。低音号外型呈圆锥状，底端是一个很大的喇叭型开口，发音管租而长，发音稍迟钝，吹奏时耗气量很大。在吹奏乐中担任最低音部，与长号联合起来形成坚固的低音，是乐团合奏时不可或缺的角色，其音色饱满、稳重。

以曲目发展为主轴的简要管乐合奏发展史

　　管乐合奏的历史离不开西洋音乐发展的历史；缩小范围来说，是离不开音乐史中器乐合奏的发展历史。在诠释上，可以用多种观点来描绘管乐的发展。管乐史家David Whitwell认为有两种描述管乐历史的方式：

　　管乐发展的历史以军乐队的发展为中心，而Mozart、Berlioz、Gounod、Strauss等人的作品是附属于这个架构的。

　　管乐发展的历史以Mozart、Berlioz、Gounod、Strauss等人的作品演进为中心，而军乐队的发展是附属于这个架构的。

　　管乐教育家Frank Battisti采用第二种方式来描述管乐发展的历史。笔者在这篇文章中同样选用这种观点。笔者认为，对管乐发展的理解无法外于对西洋音乐史的理解。管乐历史的发展固然有其特殊之处，但在架构上无法脱出其时代氛围的影响。在这样的概念下，我们比较容易对自己所聆赏、所演奏、或是所应该演奏或学习的乐曲在历史上的定位获得初步的理解。当然，这样的描述不失于断章取义或是过分简化；更正确的理解必须倚靠对乐曲的广泛聆赏、对音乐史的深入阅读、以及对时代及地域文化背景的充分掌握。

文艺复兴时期管乐的发展

　　文艺复兴时期，威尼斯乐派（the Venetian school）的Giovanni Gabrieli (1557-1612)所创作的“Sonata pian’e forte”以及“Canzon Noni Toni a12”可以说是早期最重要运用器乐合奏的作品。Gabrieli被称为”the father of orchestration”，他不仅成熟的使用Polychoral style，更是史上第一位大量使用器乐合奏的作曲家。“Sonata pian’e forte”之所以被称为器乐曲之祖，乃是因为在这首曲子里作曲家首次在乐谱各声部上指定了要使用的乐器，而力度的记号，也是史上第一次出现在乐谱之上。

巴洛克时期管乐的发展

　　巴洛克时期的前期，重要的管乐合奏曲目包括了在法国的Jean-Baptiste Lully (1632-1687)为路易十四世的步兵团军乐队（主要由Oboe和bassoon组成）创作的乐曲，Henry Purcell(1659-1695)为Queen Mary的葬礼所创作由小号、长号、定音鼓写成的音乐，以及Matthew Locke(1630-1677)为查理二世的加冕典礼以管乐器创作的乐曲。

　　至于巴洛克时期极盛期的音乐，J. S. Bach对管乐发展的影响力其实不及于George F. Handel。Handel的“Music for the Royal Fireworks”使用大编制的管乐合奏（40支小号、20支法国号、16支双簧管、16支低音管、8对定音鼓以及12个小鼓），是历史上极重要的曲目。

古典时期管乐的发展

　　在古典时期，Haydn (1732-1809)、Mozart (1756-1791)、Beethoven (1770-1827)、以及Krommer (1759-1831)等人为管乐合奏（其中多数为八重奏）写作了许多“Harmoniemusik”。这些曲目在历史上的重要性不仅在于它们是这些重要作曲家对管乐的探索、表现和实验，更特别的地方在于，它们多数是纯粹为了音乐会而创作。它们是纯粹艺术的产物，而非是功能性的为了庆典、军队、或是娱乐用途所创作。在那个时代，这是十分可贵而少见的。

　　Mozart可以说是管乐合奏的历史发展上最重要的人物。他不仅在乐曲中高度重视并经营管乐部分的色彩，在管乐器的曲目上亦有里程碑的贡献。不祇他的各种重奏曲及器乐协奏曲在音乐史上的地位非凡，他的三首为管乐合奏所作的 Serenade (K361, K375, K388)以及数首Divertimento更可以说是“Wind Ensemble”概念的滥觞。

　　Beethoven的贡献则是全面性的。他在交响乐团规模上的发展及奠基不仅对于交响乐以及器乐合奏产生无远弗届的贡献，更无疑的同时影响了后世对管乐团编制的概念。举例来说，诸如四声部法国号的编制、以及长号的使用，都是划时代的里程碑。在管乐作品上，尽管Beethoven专为管乐合奏所创作的作品并不多，但仍然留下了数首重奏、舞曲及进行曲，有其历史地位。

浪漫时期管乐的发展

　　浪漫时期是器乐丰富发展的年代。浪漫时期作曲家们新的寻求不祇表现在形式上的突破，也同时呈现于对新声音的探索之上；新的配器法（Instrumentation）于焉丰富发展。Schubert首先使用三声部长号的和声；Berlioz的“Grand Treatise on Instrumentation”开发并丰富了许多器乐合奏的可能，“Fantastic Symphony”中丰富的使用了各种前所未用的非弦乐效果；Wagner在配器上接续Berlioz的创新而赋予了管乐器在交响乐团中丰富而无可取代的角色。接续法国大革命以来Military Band的蓬勃发展，“Garde Republicaine”（法国国家禁卫军乐队）的创立可以被视为现代管乐团的原型。再配合如Buffet、Boehm、Klose、Heckel、Blumel、以及Stoelzel等人对乐器功能的改进，或是Adolphe Sax对乐器的改造（如saxhorn）或发明（如saxophone），至1850年左右，现代管乐合奏的雏形已然产生。

　　此外，重要的管乐合奏曲目诸如古典后期Louis Jadin的“Symphonie for Band (1794)”，乃至于浪漫时期Felix Mendelssohn的“Overture for Wind Band (1839)”（由作曲家在1824年所写的“Notturno for harmonie”改写而成）、Hector Berlioz的“Grand Symphony for Band, Funeral and Triumphant (1840)”、以及Richard Wagner的“Trauersinfonie (1844)”也都已经被创作出来。除此之外，Beethoven、Weber、Schubert、Rossini、Ponchielli、Donizetti都写有为管乐合奏创作的进行曲或是序曲，然而，并未被经常演奏。Edward Grieg的“Funeral March for Rikard Nordraak (1866)”、Camille Saint-Saens的“Orient et Occident, Op. 25 (1869)”、Antonin Dvorak的“Serenade in D minor, Op. 44 (1878)”以及Charles Gounod的“Petite Symphonie (1883)”是另外几首由重要的浪漫时期作曲家所创作的管乐曲目。

　　在协奏曲方面，Nikolai Rimsky-Korsakov的“Concerto for Trombone and Military Band (1877)”、“Concert Piece for Clarinet and Military Band (1878)”以及“Variations on a Theme of Glinka for Solo Oboe and Military Band (1878)”都是相当重要的曲目。最后，Anton Bruckner的“Mass No. 2 in E minor (1866/1882)”不仅是重要的十九世纪末管乐合奏曲目，更是结合人声合唱和管乐合奏的重要乐曲。

十九世纪末到二十世纪初对器合奏发展特别重要的欧洲作曲家

　　十九世纪末到二十世纪初期，有几位作曲家对器乐合奏（特别是其中管乐的部分）的型态有开创性、实验性、甚至决定性的贡献。Richard Strauss向上开发管乐器的音域，在交响曲（如“Domestic Symphony“）之中首次使用Saxophone担任要角，并重新使用oboe d’amore、basset horn等乐器。虽然他的这些创新并没有为后来主流所采纳，甚至他本人不曾刻意为“管乐团”创作乐曲，然而，他终究是留下了几阙在管乐合奏上不可忽略的经典，诸如”Serenade, Op. 7 (1881)“、”Suite in B-flat (1884)“、”Symphonie (Sonatine) in F (1943)“以及”Symphony for Wind Instruments (1945)“等等。

　　印象乐派的创始者Debussy以及后继者Ravel在器乐的音色、音质、表现性的开发、以及管弦乐法的发展上有卓越的贡献。有趣的是，纵然当时法国有着极为杰出的管乐团”Garde Republicaine”，而Debussy本人对这个乐团也称赞良多，但两位作曲家对管乐合奏作为音乐表现的媒介显然兴趣缺缺，对管乐合奏的曲目方面并无贡献。

　　俄国作曲家Igor Stravinsky以他的突破性创作如“The Rites of Spring“闻名音乐史（这首曲子的器乐编制几乎奠定现代交响乐合奏最复杂的基本编制），但较不为一般大众所知的是，他在管乐合奏发展史上有着极富影响性的地位。他最重要的贡献是四首管乐合奏作品：“The Symphonies for Wind Instruments (1920)”、“Octet for Wind Instruments (1923)”、“Concerto for Piano and Wind Instruments (1924)”、以及“Circus Polka (1942)”。其中“The Symphonies for Wind Instruments”更被Frederick Fennell认为是二十世纪为管乐所作的最重要的乐曲。

英国军乐队经典

　　“British Military Band Classics”是二十世纪管乐合奏最重要的原型所在。被归类在这个范畴的作品主要由三位英国作曲家所创作：Gustav Holst、Ralph Vaughan Williams、以及Gordon Jacob。

　　Gustav Holst的第一首为管乐所原创（并且不是取自于民谣）的作品“First Suite for Military Band in E-flat (1909)”是为了当时英国28人编制的Regimental Band所作，曲中对管乐器特色的掌握和发挥、管乐团音响及色彩的变化、编制配器的确立，都奠定了当代美国管乐发展的根源。Holst之后创作的另外两首管乐作品：完全根基于民谣和莫里斯舞蹈（Morris dances）所创作的“Second Suite for Military Band in F (1911)”、以及更具原创特质的“Hammersmith: Prelude and Scherzo (1930)”，都成为当代管乐合奏的经典之作。

　　Ralph Vaughan Williams巧妙、直接、充满创意而精致地以英国民谣作为素材，写作出“English Folk Song Suite (1923)”以及“Sea Songs (1924)”；而另外一首以纯粹音乐形式写作的“Toccata Marziale (1924)”，其复杂的织理（texture）、精致的对位以及对管乐团音响的概念更使其成为所有管乐团的必修曲目。

Gordon Jacob选用十六世纪英国作曲家William Byrd作品集“Fitzwilliam Virginal Book”中的旋律写成六首一组的“William Byrd Suite (1923)”，和他五年后所写作的（特别注明是为管乐团所“原创的”、而非改编自民谣或是古典乐曲）“An Original Suite (1928)”同样成为经典的管乐合奏曲目。Jacob笔耕不辍，除了持续投身于音乐教育之外，一直到三十年后还继续创作重要的管乐作品如“Music for a Festival (1951)”和“Old Wine in New Bottles (1960)”。

管乐合奏发展的里程碑：Percy Aldridge Grainger

　　Percy A. Grainger的重要性必须被独自提出来讨论。这位来自澳洲、耕耘于英国、成名于美国的钢琴家暨作曲家，不仅以作为一位民谣采集学者著称，在以管乐合奏为媒介的创作上更是贡献非凡。他的重要作品诸如早期充满实验性的作品“Hill Song No.1 (1902)”、“Hill Song No.2 (1907/1947)”，在移民美国之后所创作对管乐合奏音响充满开拓性的“Irish Tune from County Derry and Shepherd’s Hey (1918/1913)”、“Colonial Song (1918)”、“Children’s March “Over the Hills and Far Away” (1919)”、“Molly on the Shore (1920)”，以至于管乐曲目中经典中的经典“Lincolnshire Posy (1937)”等等，不仅将民谣和原创性完美的结合、赋予民谣新的生命力、在节拍及节奏上作出大胆创新却又合理的尝试（在作曲家来说这是为了忠实的呈现民谣原来的风貌），其和声及织理上的丰富细致以及旋律线之间精致的对位实是杰作，而在管乐合奏的音响及色彩上，更为后世开创出丰富的可能性。作为一位积极推广管乐合奏、并开发管乐种种新的可能性的作曲家，Percy A. Grainger绝对具有里程碑的地位。

美国进行曲之王：John Philip Sousa

　　谈到管乐的发展，就不可能忽略“进行曲之王”John Philip Sousa的影响。从十九世纪末到二十世纪初期，继承现代美国管乐之父Patrick Sarsfield Gilmore（1829-1892）的筚路蓝缕，Sousa的最大贡献在于他自己组织职业的管乐团，将管乐全美走透透的带入美国人民的生活之中。从他26岁（1880）开始担任美国海军陆战队乐队（”The U.S. Marine Band”，堪称全美水平最高的管乐团）的指挥，后来自己组织乐团（”the Sousa professional band”）到美国、欧洲演出，在各级学校推广管乐教育，并且深入小区娱乐大众，Sousa的持续努力使得管乐不仅成为美国民众生活中自然且熟悉的一部份，更成为了美国文化的代表之一。Sousa认为，”band”的存在就是要提供社会大众娱乐，他曾说道：“Entertainment is of more value to the world than technical education in music appreciation.”而的确，在他的推广及努力之下，”Sousa era (1880-1925)”成为了美国史上职业管乐团的黄金年代：管乐成为社会上最普遍也最受欢迎的一种大众娱乐。无怪乎许多管乐史家皆将Sousa视为“有史以来最伟大的bandmaster”。

　　在管乐曲目上，他主要的贡献有二：其一是他为管乐团改编了为数甚多的著名管弦乐曲（其中最著名的是许多Wagner的作品）；其次，就是他最为人所称道的、目前已经迈入经典之林的众多进行曲创作。Sousa自己对进行曲（March）的一段叙述，我想可以作为它在管乐音乐中的特殊性及重要性的极佳批注：

“…(March is)…music for the feet instead of the head. … It should make a man with a wooden leg step out. … A march speaks to a fundamental rhythm in the human organization and is answered. A march stimulates every center of vitality, wakens the imagination. … But a march must be good. It must be as free from padding as a marble statue. Every line must be carved with unerring skill. Once padded, it ceases to be a march. There is no form of composition wherein the harmonic structure must be more clear-cut. The whole process is an exacting one. There must be a melody, which appeals to the musical and the unmusical, alike. There must be no confusion of counterpoint.”

※原文没有说明，但是Sousa是圈式低音号的发明人，也就是圈式低音号英文名是sousaphone的来由

自管弦乐曲改编的管乐作品：二十世纪初期最丰富的曲目来源

　　在十九世纪末至二十世纪前半，为管乐原创的乐曲为数仍然不多之时，管乐合奏的曲目有不少来自管弦乐曲的改编（Transcriptions）。当时的管乐音乐会中，管弦乐曲改编曲也通常是主要的曲目来源。许多成功的编曲，使得管乐版本呈现出了不同于原曲的艺术风貌，也在数十年后被列入管乐的经典曲目之中（例如 Leidzen改编J. S. Bach的“Toccata and Fugue in D minor”、“Jesu, Joy of Man’s Desiring”、Korsakov“Procession of the Nobles”，Cailliet改编 Wagner“Elsa’s Procession to the Cathedral”、“Siegfried’s Rhine Journey”……等等）。甚至到了二十世纪后半，尽管管乐的原创曲目已经相当丰富，仍然有一些自管弦乐曲的改编非常成功，使得这些曲目一再被演奏，进入经典之林（例如Hunsberger改编的Shostakovich“Festive Overture”、Rhoads改编William Schumann编写自Charles Ives的“Variations on America”、Elkus改编Ives的“Old Home Days”、Beeler及Grundman分别改编Bernstein的“Overture to Candide”、Bencriscutto 改编Bernstein的“Profanation”、Krance改编Orff的“Carmina Burana”、Beeler改编Copland的“Lincoln Portrait”、Paynter改编Arnold的“Four Scottish Dances”、Wilson改编Hindemith的“Symphonic Metamorphosis after Themes by Carl Maria von Weber”、Hindsley改编的Tchaikovsky及Brahms交响曲及序曲、乃至于八零年代的Odom改编John Adams的“Short Ride in a Fast Machine”……等等）。

　　然而，并不是所有改编的乐曲都是成功的。管乐合奏和管弦乐合奏毕竟是不同的媒介，具有相当不同的特质和性格。强求将管弦乐曲改编由管乐演奏能呈现出和原曲一般的效果，无异缘木求鱼。改编之后能呈现出新的艺术价值，才是某些Transcriptions之所以能成为经典的重要原因。

尝试与萌发：二十世纪上半叶

　　二十世纪上半叶的管乐原创作品较之上一世纪在数量上逐渐增多，主要的原因是越来越多的重要作曲家开始探索管乐合奏作为音乐创作及传递的一种媒介的可能性。这段期间之内，重要管乐作品的产生不限于美国，而几乎是整个欧美的古典乐界的作曲家们都开始重视并且尝试管乐合奏这种媒介，因而促成了管乐曲目在不论量或质上较之十九世纪的明显增长。这段期间内，重要的作曲家除了上述的Richard Strauss、Igor Stravinsky、British Military Band Classics（Gustav Holst、Ralph Vaughan Williams、Gordon Jacob）、Percy A. Grainger、及John Philip Sousa之外，还有Charles Ives、Paul Hindemith、Florent Schmitt、Arnold Schoenberg、Aaron Copland、Alfred Reed、Edgard Varese、Alban Berg、Kurt Weill、Erwin Schulhoff、William Walton、Colin McPhee、Darius Milhaud、William Schuman、Vincent Persichetti、Morton Gould……等 。

历史性的创新及启发：Eastman Wind Ensemble的创立

　　1952年的冬天，Frederick Fennell在罗彻斯特大学的Eastman School of Music创设了“Eastman Wind Ensemble”这个历史性的乐团。Fennell了解到既存的Military Band、Concert Band、Symphonic Band、Symphonic Orchestra等乐团编制形式已经固定，所传递的音乐也已为大众所习惯。然而，从十六世纪管乐器开始发展茁壮以降，许多有着高度艺术价值、但不是使用标准乐团编制的乐曲就在这种情形下丧失了被演奏的机会。另一方面，Fennell希望作曲家可以不被既定的所谓「编制」所限，而能够自由的选择他所想要使用的乐器组合，来发出想要创造的声音；而重点是，这样被创作出的乐曲要有乐团能够演奏推广。在这些理念之下，Fennell根据历史上重要管乐合奏乐曲的编制、以及在一般学校适合推广的编制，延续从Mozart的Serenade No.10、Richard Strauss的Serenade in Eb、Holst的First Suite for Military Band、Vaughan Williams的Toccata Marziale、乃至于Stravinsky的Symphonies for Wind Instruments一路下来对管乐合奏发展的理念及其影响，在Eastman School of Music创立了”Eastman Symphonic Wind Ensemble”（这是创始初期由当时伊士曼音乐院院长Howard Hanson所建议的名称，然而Frederick Fennell对此名称不甚满意，认为无法反映”Wind Ensemble”的概念及精神，因此后来才将之改作目前的称谓）。其初期编制是：

Reeds (木管)：2 Flute长笛、1 Piccolo短笛，2 Oboe双簧管、1 English Horn英式号，2 Bassoon(巴松)、1 Contrabassoon(这个我不知道是什么)，1 Eb Clarinet(Eb 单簧管)、8 Bb Clarinet(Bb单簧管)、1 Alto Clarinet(高音单簧管)、1 Bass Clarinet(低音单簧管)，2 Alto Saxophone(中音萨克斯)、1 Tenor Saxophone(次中音萨克斯)、1 Baritone Saxophone(低音萨克斯)。

Brass(铜管)：3 Cornet in Bb、2 or 3 Trumpet in Bb(Bb 小号)，4 Horn (圆号)，3 Trombone(长号)，2 Euphonium(小低音号)，2 Tuba(低音号)。

Other Instruments：Percussion、Harp、Celeste、Piano、Organ、Harpsichord、Solo String Instruments、and Choral Forces as desired。1 String Bass。

　　在演出时，视乐曲的需要而可以以各种不同组合的编制准确的配合乐曲所需来演奏，不任意更动。而在full ensemble演奏时，这样的编制所带来的音响效果Fennell认为是最适合于管乐合奏所发出的声音及色彩。当然如果作曲家要求大编制的合奏，依据Wind Ensemble的理念，就必须根据作曲家的指示来安排。

　　最重要的概念在于，Wind Ensemble是一种”flexible sound resource”，提供任何可能的组合和声音让作曲家发挥。事实上，这样的观念和当时美国两大管乐组织--ABA（American Bandmasters Association）及CBDNA（College Band Directors National Association）--想要建立标准化的管乐团编制的理念是背道而驰的。

　　在Eastman Wind Ensemble创立之后，Fennell更是不遗余力的敦请重要的作曲家们自由的为管乐合奏创作，并且由Eastman Wind Ensemble演出这些新的作品。大约从1960年代开始，管乐曲目被创作的数目持续倍增，这其中一大部分要归功于Fennell及Eastman Wind Ensemble的影响。

鼓励委任创作的另一重要力量：American Wind Symphony Orchestra

　　在1950年代管乐发展上，另外一个重要的里程碑是Robert Boudreau于1957年创立了“American Wind Symphony Orchestra”。不同于Fennell主要基于British Military Band为出发点的编制安排，Boudreau将管弦乐团的管乐部分独立出来并且双倍使用（同时也就是不使用Saxophone及Euphonium），再加上其它乐器如打击乐器的配合，构成了”American Wind Symphony Orchestra”。Boudreau带领他的乐团，沿着水路在美国各地、甚至国外演出二十世纪的管乐作品。同时，他亦积极的敦请各地的作曲家们（不只美国本土、亦包括欧洲和中南美洲）为此乐团写作新曲（著名的例子如Alan Hovhanness于1958年创作的Symphony No.4）。这不仅促成了二十世纪后半开始管乐合奏曲目的增长，同时也使得其来源的广度及多样性随之提高。

改变、茁壮、发展、探索、与连结：百花齐放的二十世纪下半叶

　　随着Eastman Wind Ensemble的创立以及American Wind Symphony Orchestra的创设，不仅仅使得作曲家们延续二十世纪前半以降对管乐合奏探索的兴趣，更由于表演媒介的提供，使得作曲家自由且自主创作的乐曲被演出的机会大大提升；再加上原本在美国就盛行在生活之中的管乐 / 乐队文化，并且延续整个二十世纪以降美国学校教育里推动器乐教育的趋势，为各种管乐合奏所写作的乐曲便如雨后春笋般地被创作。各地对Wind Ensemble的接受度越来越高、乐团数目持续成长，学校教育里Concert Band、Jazz Ensemble、Marching Band持续发展，Drum and Bugle Corps以及Marching Band的活动蓬勃发展、水平也逐渐提升，各种管乐合奏的可能性一直被探索，作曲家们更渐渐视管乐合奏为一种具有多样丰富的可能性、表现性、开创性及艺术性的艺术传递媒介。此外，国际间的交流逐渐增加，美国、加拿大、英国、法国、德国、瑞士、奥地利、比利时、荷兰、匈牙利、意大利、以色列、北欧诸国、日本等管乐发展较为丰富的国家之间交流更加密切，在曲目上的交流增加、多样性提升。此刻的管乐发展可以说是从十六世纪以来最为丰盛蓬勃的年代。尽管在整个西洋古典音乐界里，管乐合奏仍然是处于较为边缘而弱势的位置，然而随着这股发展的潮流所驱，在艺术上更丰盛的成果是指日可待的。